ARTBLOG // galerie kamchatka

galerie Kamchatka at SLICK - 23.10.09 > 26

2009-10-15T20:15:00.000+02:00

Galerie Kamchatka is delighted to announce its participation in SLICK 2009 at the 104.

We will be displaying works by Joan Ayrton, Christoph Bucher, Raphaël Denis and a conference by Nieto.

galerie Kamchatka - booth F02

SLICK
LE 104 - 104, rue d'Aubervilliers 75019 PARIS
23.10.2009 > 26.10.2009

paintings and photographs by JOAN AYRTON
paintings by CHRISTOPH BUCHER
photographs by RAPHAEL DENIS
conference by NIETO at Room 200 _ Friday, 23 october 2009 _ 7 P.M.

More info : www.slick-paris.com

galerie Kamchatka | 23, rue Charles V - 75004 Paris
du mardi au samedi de 14h à 19h30 et sur rendez-vous
Métro > St-Paul • Bastille • Sully-Morland
mail : info@kamchatka.fr | www.kamchatka.fr
Tél. : +33 1 42 71 22 59 | Fax : +33 9 74 58 22 59

Newsletter OCTOBRE 09 galerie kamchatka

2009-10-03T19:56:00.001+02:00

galerie kamchatka

23, rue charles V - 75004 Paris

contact@kamchatka.fr

www.kamchatka.fr

Chers amis,
la galerie Kamchatka est heureuse de vous annoncer son actualité du mois d'octobre.

A la galerie :

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> 17.10.09 : La disparition des corps, Rachel Labastie, Nicolas Delprat.
Commissariat d'exposition : Christian Alandete.

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20.10.09 > 03.10.09 : Group Show #002 avec Collectif Anonyme, Les Graphiquants, Taka Kagitomi, Adrien Lécuru, Martin Mc Nulty, Liza Nguyen, Nieto, Renata Rizck.
Pendant SLICK, la galerie est ouverte sur rendez vous et présenté une sélection d'oeuvres des artistes de la galerie.

** Carnet, collectif anonyme, 2007 et DMZ, Liza Nguyen, 2005.

Hors les murs :

23.10.09 > 26.10.09 : SLICK 09, Joan Ayrton, Christoph Bucher, Raphaël Denis.

Le CentQuatre, 104, rue d'Aubervilliers - 5, rue Curial, 75019 Paris
Kamchatka pour sa première participation à Slick présentera sur son stand :
Vacarme, nouvelle série de peintures sur papier de Joan Ayrton
Wood, série de peintures de Christoph Bucher
Raphaël Denis, photographies.
+ conférence organisée par NIETO : vendredi 23.10.09 à 19h. Salle de conférence, 104.
+ performance du Collectif Anonyme le soir du vernissage.

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TAKA KAGITOMI

> 18.10.09 : Geschwindigkeit, exposition collective, Kokerei Hansa, Dortmund, Allemagne.

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LIZA NGUYEN

> 12.2009 : résidence de 6 mois à Tel Aviv, Israël.
Résidence organisée par Goethe Institut Tel Aviv, NRW Kunststiftung, Cary et Dan Bronner Foundation.

LA DISPARITION DES CORPS - Rachel Labastie, Nicolas Delprat - du 8.09.09 au 17.10.09

2009-08-25T18:00:00.018+02:00

La galerie Kamchatka présente la première exposition commune de Rachel Labastie et Nicolas Delprat.

LA DISPARITION DES CORPS, exposition du mardi 8 septembre au samedi 17 octobre 2009.
Commissariat d'exposition : Christian Alandete.

La disparition des corps

Le XXème siècle aura été marqué par une transformation radicale de « l’art de la guerre », opposant à la stratégie du combat militaire, l’extermination génocidaire des populations civiles. L’élimination programmée du peuple juif par le régime nazi, le massacre du peuple arménien par l’empire ottoman, comme celui des tutsis au Rwanda ou des bosniaques de Serbie ont, chacun à leur manière, repoussé les limites du concept d’humanité et l’imaginaire de la barbarie. Loin de se contenter de tenter de décimer des populations entières, les exactions ont aussi consisté à faire disparaître les corps, dans une vaine tentative d’effacer les traces des horreurs commises. L’exhumation des corps (ou ce qu’il en reste) et leur identification restait alors le seul moyen de rendre « réel » ce que la conscience humaine ne pouvait concevoir. A l’image des corps décharnés, entassés derrière les barbelés des camps de concentration s’est substitué celles des populations parquées derrière les grillages des camps de rétention. Dans le troisième volume de son ouvrage « Homo Sacer », titré « Ce qui reste d’Auschwitz : l’archive et le témoin », le philosophe italien Giorgio Agemben pointe ce qui aujourd’hui semble être un nouvel « état d’exception généralisé » qui justifie au nom d’une obsession sécuritaire, des formes, certes moins radicales mais non moins iniques, d’exterminations physiques mais aussi psychologiques.

Le travail de Rachel Labastie comme de Nicolas Delprat, témoigne de manière indirecte d’un certain état du monde dans lequel l’individu est physiquement absent et cependant particulièrement perceptible. S’il y a des couples d’artistes qui choisissent d’unir leurs forces pour produire une œuvre commune, d’autres tracent des voies distinctes, empruntant des routes parallèles qui peuvent par moments se croiser. Partenaires dans la vie, les deux artistes développent depuis plusieurs années des œuvres portant sur des sujets en apparence éloignés, formulées pour chacun avec son propre vocabulaire. Pourtant, le travail de l’un trouve des résonances dans celui de l’autre dès lors qu’il est mis en relation. Ce dialogue, pour partie lié à leur proximité, trouve sa pleine réalisation dans une même approche physique de la matière qui, paradoxalement, prend sa source dans une interrogation sur des formes particulièrement immatérielles : le saisissement de la lumière d’un côté, les formes alternatives de spiritualités de l’autre.

Si le corps n’est jamais figuré, ni chez l’un, ni chez l’autre, il en est pourtant un des sujets centraux. L’univers des toiles de Nicolas Delprat dépeint des géographies à la fois hyperréalistes et totalement fantasmées dans lesquelles l’individu ne subsiste que par les signes lumineux qu’il semble émettre. Paysages désertés, appartements abandonnés, installations lumineuses, les motifs reproduits sur la toile témoignent d’une expérience physique de l’espace où toute présence humaine est nécessairement hors champ.

De son côté, Rachel Labastie produit des installations dans lesquelles le corps est potentiellement contraint ou mis à distance, sans jamais être matérialisé. Dans une de ses premières œuvres pourtant, elle approchait de manière plus directe sa représentation pour mieux s’en éloigner, tentant de saisir dans un brouillard de fumée la projection d’un corps, devenu volatile et insaisissable (sculpture, 1999). Dans sa récente série d’« Entraves », elle répertorie les instruments de la contrainte, reproduisant en fine porcelaine blanche les fers des esclaves, transformés en singuliers trophées d’un passé coloniale où coexistaient les hommes libres et ceux privés de droits. Sa réactualisation, sous une forme à la fois séduisante et néanmoins bien fragile, rappelle la permanence d’un esclavage dit « moderne » dans laquelle la femme est restée la principale victime. Ses dernières pièces reproduisent, à l’échelle, des cerveaux en paraffine blanche, accumulées comme dans une sépulture contemporaine de la pensée. Utilisant la matière même qui enveloppe l’organe, elle met à nu cette partie du corps qui enregistre et traite l’information extérieure comme notre propre histoire. Véritable réceptacle des traumas, le cerveau reste le dernier rempart contre l’aliénation dans le même temps qu’il fait l’objet d’un commerce généralisé. Du « temps de cerveaux disponible », vendu aux annonceurs par la télévision commerciale, à la « fuite des cerveaux », comme nouveau modèle des flux migratoires encouragés par les grandes puissances - dans une politique d’immigration « choisie » - le contrôle des corps a basculé vers une manipulation organisée des esprits.

Le scénario imaginé dès 1948 par Georges Orwell dans son récit d’anticipation « 1984 » semble aujourd’hui plus loin de la Science Fiction que de la réalité. La « police de la pensée » a évidemment pris une forme beaucoup plus subtile dans une société du spectacle généralisé qui libère l’esprit pour mieux le contrôler.

A sa manière, Nicolas Delprat emprunte aussi au registre de la science fiction, des images rémanentes, ancrées dans l’inconscient collectif. Dans la série des « Zones », il décline un même motif de grillage qui vient placer le spectateur dans une position ambiguë, à la fois attiré par les jeux de lumière en arrière-plan des tableaux et maintenu à distance. En choisissant des formats proches de l’échelle 1, il le fait plonger au cœur de cette hyper-réalité sans qu’il puisse savoir de quel côté du camp il se trouve. Si l’on perçoit un imaginaire de référence qui trouve sa source dans les grands récits d’anticipation, on est cependant aussi pris au piège de l’histoire de ces frontières arbitraires qui se déplacent au gré des conflits, plongeant des populations entières dans des exils forcés. Pour autant, c’est au-delà de l’image que les tableaux trouvent leur pertinence, dans un aller-retour entre figuration et abstraction. Comme chez Rothko, le motif ne semble qu’un prétexte de représentation qui permettrait de s’adresser directement à l’inconscient jungien, stimulé par la matière vibrante de sa peinture.

Dans « Naissance de la tragédie » Nietsche définit la tragédie grecque comme la forme artistique qui a su réunir un temps les deux grandes forces jusque-là opposées de l’appolinien et du dyonisiaque (l’un représentant l’ordre, la raison, le rêve et son interprétation, l’autre l’instinct primitif et les forces naturelles). De la même manière, les travaux de Rachel Labastie et Nicolas Delprat conjuguent des forces contraires en décrivant sous des formes séduisantes des réalités obscures. Par cette mise à distance, ils échappent à toute lecture monolithique en maintenant le trouble entre une critique de la société contemporaine et la mémoire de son passé répété.

Christian Alandete
(commissaire d'exposition indépendant)

* Rachel Labastie est représentée par la galerie LA BANK.

SUMMER09

2009-07-28T18:15:00.003+02:00

Durant l'été, la galerie est ouverte sur rendez vous du mercredi au samedi. Nous vous proposons de venir découvrir une sélection d'oeuvres des artistes de la galerie.

N'hésitez pas à contacter Gaëtan Loppion pour tout renseignement au 06 76 45 79 30 ou par mail : contact@kamchatka.fr

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Programme :
8 septembre 2009 : Vernissage de l'exposition LA DISPARITION DES CORPS, Rachel Labastie et Nicolas Delprat, commissaire : Christian Alandete.
23 octobre 2009 : Vernissage SLICK
artistes présentés : Joan Ayrton, Christoph Bucher, Raphaël Denis.

PAPIER MACHINE _ 3è partie

2009-07-28T17:27:00.010+02:00

c/ # PAPIER MACHINE _ 14/05>04.07 _ Exposition collective low cost avec David Andrade, Joan Ayrton, Christoph Bucher, Collectif Anonyme, Raphaël Denis, Hervé Dez, Alain Frentzel, Les Graphiquants, Je Suis Une Bande de Jeunes, Evangelia Kranioti, Adrien Lécuru, Martin Mc Nulty, Renata Rizck, Alexandra Roussopoulos.

En entrant on repère le photocopieur plus tout jeune au milieu de la galerie, incongru, anachronique à l’heure du numérique, me serais-je trompé de lieu, non...non c’est bien çà. La crise est là, diasec, dibond, chassis hors norme, installations high tech et monumentales, on aime mais on ne peut plus ni produire ni investir, alors on fait autrement, low fi, low tech, low cost.. Attention au cost killer, la chasse est lancée, on utilisera la photocopie, l’imprimante familiale et la sueur de nos fronts.

Vernissage "d" Joël Riff - curieux _ 24.04.09 > 18h _ PAPIER MACHINE

2009-04-20T20:27:00.003+02:00

PAPIER MACHINE - exposition en 3 parties du 10/04 au 04/07

2009-04-04T16:00:00.003+02:00

1/ Tazas _ 10.04>21.04
Exposition et présentation du livre Tazas de Guillaume Beinat, Benjamin Stoop et Oze Tajada. Un livre et une exposition en forme de cadavre exquis graphique (oeuvres communes de Guillaume Beinat, Benjamin Stoop et Oze Tajada, installation vidéo de Jérémy Delhuvenne).
http://www.tazasproject.com/

2/ «d» Joël Riff - curieux _ 24.04>09.05
Joël Riff parcourt près de 6 expositions par jour (2143 en 2008). De chaque visite, il édite une fiche compilant images et textes. Depuis 5 ans il accumule les données et les stocke alphabétiquement. Ici il nous présentera les fiches classées sous la lettre D.
http://www.curieux.over-blog.com/

3/ # Papier machine _ 14/05>04.07
Exposition collective low cost avec David Andrade, Joan Ayrton, Christoph Bucher, Collectif Anonyme, Raphaël Denis, Hervé Dez, Alain Frentzel, Les Graphiquants, Je Suis Une Bande de Jeunes, Evangelia Kranioti, Adrien Lécuru, Martin Mc Nulty, Renata Rizck, Alexandra Roussopoulos.
En entrant on repère le photocopieur plus tout jeune au milieu de la galerie, incongru, anachronique à l’heure du numérique, me serais-je trompé de lieu, non...non c’est bien çà. La crise est là, diasec, dibond, chassis hors norme, installations high tech et monumentales, on aime mais on ne peut plus ni produire ni investir, alors on fait autrement, low fi , low tech, low cost..
Attention au cost killer, la chasse est lancée, on utilisera la photocopie, l’imprimante familiale et la sueur de nos fronts.

PAPIER MACHINE

2009-03-13T16:24:00.005+01:00

PAPIER MACHINE
Exposition en trois parties
11/04 > 04/07
Suivez l'exposition sur http://atkamchatka.tumblr.com/

CHRISTOPH BUCHER vs. PIA FRIES - Exposition de peintures - du 7/02 au 4/04

2009-01-30T17:06:00.003+01:00

La galerie Kamchatka présente du 7 février au 4 avril 2009 la première exposition commune de Christoph Bucher et Pia Fries : CHRISTOPH BUCHER VS PIA FRIES.
Pour sa première exposition à la galerie Christoph Bucher a choisi d’inviter Pia Fries. Il collabore à son travail depuis plusieurs années en tant qu’assistant.

Pia Fries présente dans l’exposition la série PORTFOLIO composée de 8 planches de sérigraphies (1999, 65.5 x 50 cm) et 3 oeuvres sur papier inédites (1999-2001, technique mixte). Dans la série PORTFOLIO, Pia Fries, contrairement à ses peintures, ne laisse que très peu de blanc, presque toute la surface du papier est recouverte de grands aplats sur lesquels viennent se superposer des amas de couleur comme fraîchement sortis du tube et posés à la brosse.

Christoph Bucher expose pour la première fois la série LAYERS (2007 - 2009) dont le titre fait référence à la technique utilisée.
Christoph Bucher peint sur des chassis en bois fabriqués par ses soins, il applique différentes couches de peinture noire diluée à l’eau à travers des masques et pochoirs successifs. Il obtient ainsi une superposition de formes géométriques du gris clair au noir. Le veinage et la couleur du bois (pin, bouleau, lauan) apparaissent en transparence à travers la peinture. Les différentes dimensions créées par les amas de formes géométriques sont perturbées par le bois plus ou moins présent selon les tableaux,le bouleau donne un effet très lisse et clair, le lauan d’un marron très foncé boit la peinture et donne beaucoup plus de pesanteur.
La deuxième série RELIEF, est un travail antérieur à LAYERS, il s’agit d’une série de moulures de plâtre sur chassis de bois. Là aussi le matériau (plâtre) est visible, Christoph Bucher le coule sur son chassis et lui donne un aspect légèrement froissé et aplati. Les tableaux sont toujours présentés par groupe, collés les uns aux autres. On pense au confort de coussins blancs ou à des murs capitonnés, signe d’aliénation.

Mis en regard l’un de l’autre, les travaux de Pia Fries et de Christoph Bucher semblent appartenir à deux univers opposés : couleur vs. peinture noire, matière vs. peinture diluée, bois peint vs. bois brut, ... Pourtant, on peut lire une fi liation de l’élève au maître, la répétition de formes, le jeu des matières et des superpositions. Chez Christoph Bucher comme chez Pia Fries la composition des toiles semble laisser une place au hasard ; s’il existe, il répond à un schéma de composition précis et une structure subtile d’agencements des éléments. Le travail en série est primordial, c’est dans la répétition des formes, la déclinaison des teintes et de légères variations, que l’on saisit un thème, une recherche continue sur la forme, la série se lit comme une partition, une répétition de notes donnant un rythme et une vibration à leur peinture.

FINISSAGE LES GRAPHIQUANTS

2009-01-30T16:59:00.003+01:00

Finissage de l'exposition des GRAPHIQUANTS
Vendredi 30 janvier 2009 à partir de 19h.

Exposition LES GRAPHIQUANTS du 12/12 au 31/01

2008-11-27T19:22:00.003+01:00

LES GRAPHIQUANTS
installations et affiches

Pour clôturer l’année, la galerie Kamchatka présente le travail de trois jeunes graphistes : Maxime Tétard, Romain Rachlin et Cyril Taïeb. Seront présentés 8 installations liées chacune à une affiche en édition limitée.
Exposition du 12.12.08 au 31.01.09.
Vernissage le vendredi 12 décembre à partir de 17h.

Les GRAPHIQUANTS est un collectif de trois graphistes : Maxime Tétard, Romain Rachlin et Cyril Taïeb.
Ils travaillent ensemble depuis les Arts Déco dont ils sont diplômés en 2005. C’est en 2007 qu’ils ouvrent officiellement l’atelier «LES GRAPHIQUANTS» rue de la Fontaine au Roi dans le 11è arrondissement de Paris.
Intervenant principalement dans le domaine culturel, ils ont toujours été liés à la galerie Kamchatka et ont eu des pratiques artistiques variées (photographie, dessin, peinture).
L’exposition montre des travaux récents sous forme d’installations, sculptures, wall-painting et affiches.

Les 8 affiches inédites sont vendues au prix unique de 20 € , idéal pour un cadeau de Noël ou démarrer une petite collection d’oeuvres à tirage limité.

Transition Amère, exposition de Hervé Dez - Mois Européen de la photographie 2008

2008-11-01T16:36:00.007+01:00

Transition Amère, exposition de photographies de Hervé Dez.
Dans le cadre du Mois Européen de la photographie, novembre 2008.
Du 7 novembre au 8 décembre 2008.
Vernissage le samedi 8 novembre, à partir de 17h.

TRANSITION AMERE, AUTREFOIS C'ETAIT UN PAYS.

Par son préfixe latin trans - par delà - la transition marque le passage ou le changement d’un état à un autre. Ce glissement peut être rapide, brutal, exalté. Pour Hervé Dez, il est surtout douloureux et emprunté d’amertume car les passages de l’Histoire ne se font pas sans ressentiment ni rancoeur, et sans doute pire que tout, sans mélancolie. C’est ce qu’il capte au plus juste. Emile Cioran avait perçu ce sentiment d’un temps incertain de lui-même quand il écrit dans les Syllogismes de l’amertume : “Espérer, c’est démentir l’avenir”. Et c’est là toute la force du travail mené par Hervé DEZ depuis de nombreuses années quand il se place sur les points de glissements de l’Histoire, quand il se place là où le temps des hommes est en suspend : Les fanfares rroms à l’hôtel Srbija où l’on perd connaissance, un train qui part ; un café chez le barbier turc du bazar de Skopje, une hésitation ; le père d’Ivo qui retrouve une croix dans sa maison détruite par des miliciens, un temps mort, mais surtout une grande lassitude de toutes ses années à survivre, à haïr, à se souvenir du pays dont on faisait partie, ensemble. Les Yougoslaves qu’Hervé Dez a photographiés de 1996 à 2008 ne sont plus ceux qui ont forcé le destin de cette vieille terre d’Europe en créant un pays nouveau, de nouvelles règles sociales. En disparaissant dans le chaos, le pays imaginaire de Tito a laissé sur place des habitants incertains, des Ex-yougo.
Jean-Luc Cormier
Cette exposition est soutenue par : Processus et le Courrier des Balkans réalisation des tirages : Karoline, Labo Processus.

#001 Group Show

2008-08-27T23:50:00.005+02:00

#001 est une exposition de groupe avec les artistes de la galerie Kamchatka :

Christoph Bucher / Liza Nguyen / Raphaël Denis / Adrien Lécuru / Joan Ayrton / Renata Rizck / Les Graphiquants / Collectif Anonyme / Taka Kagitomi.

du 25/09 au 25/10/08.

Prolongation exposition Attentes > 20/09/08

2008-08-27T23:45:00.002+02:00

L'exposition Attentes d'Adrien Lécuru est prolongée jusqu'au 20 septembre 2008.
Le finissage de l'exposition aura lieu le samedi 20 septembre de 15h à 21h.

ATTENTES - Adrien Lécuru, peintures - du 7 juin au 10 juillet 2008

2008-05-22T20:01:00.004+02:00

Exposition du 7 juin au 10 juillet
Vernissage le 7 juin à partir de 17h

Adrien Lécuru présente sa première exposition personnelle à la galerie Kamchatka.
Jeune artiste peintre, né en 1980, diplômé des Arts Déco en 2005, Adrien Lécuru vit et travaille à Paris.

L’exposition présente la série Attentes (2007-2008), portraits de personnes isolées dans un décor épuré, on reconnaît rapidement le quai d’une station de métro ou de RER, une pièce, une chambre ou un jardin public. Adrien Lécuru saisit un instant de repli sur soi, d’évasion de ses sujets, regard vide, perdu, sourire esquissé, oeil terne. Les personnages s’abandonnent à eux-mêmes, ils ne sont pas là pour le spectateur mais isolés dans un monde intérieur que les quelques détails, leur posture nous permettent de saisir furtivement.
Adrien Lécuru met en avant les corps, mains, visages, yeux, attitudes ; les plis des vêtements, et quelques objets en contact avec le sujet (canette de bière, chaise, coussin, barre de métro, banc, wc). Le fond lui est traîté en nuance de couleur, du bleu-vert au gris sale, collant au plus près du personnage et de son environnement. Pas de détail dans le fond, toute notre attention vers l’humain.
On comprend petit à petit où il veut en venir, la galerie de portraits est la sienne, les modèles ne posent pas, Adrien Lécuru choisit l’instant montré, furtif, l’instant où la pensée s’échappe, s’enfuit ailleurs, un autre espace utopique ou illusoire, chargé d’espoir et de regret.

Ces 10 toiles de format moyens (110 x 80 cm) composent un ensemble de personnages hétéroclites, des inconnus, des amis de l’artiste, et même Vladimir Poutine, planté là où on ne l’attend pas. Aucun lien apparent entre eux, si ce n’est le choix d’Adrien Lécuru et leur état contemplatif, mélancolique.

"Souvenirs of vietnam" de Liza Nguyen

2008-05-09T16:52:00.002+02:00

Lors d'une résidence au Vietnam en 2004, l'artiste française Liza Nguyen a inventorié les traces de la guerre en écho à la commémoration de la fin des guerres françaises et américaines. SOUVENIRS OF VIETNAM présente 2 séries d'oeuvres : Surface et Postcards of Vietnam. Elles ont reçues 2 prix en France (Fnac) et en Suède (Lulea International Biennal).

Catalogue, 48 pages couleur, 23 x 20 cm

Couverture souple, anglais, français, allemand, 19 €

ISBN 978-2-9529194-1-8

Publié en 2008 par Galerie Kamchatka, Paris

Distribution : Schaden.com

Short Circuit - Delphine Reist / Martin Mc Nulty / Taka Kagitomi, installations - du 12 avril au 31 mai 2008

2008-04-01T14:38:00.006+02:00

Exposition collective du 12 avril au 31 mai 2008
Vernissage le samedi 12 avril de 15h à 21h.

À l’entrée de la galerie, un cercle de pots en métal remplis de lait et posés au sol, des tubes transparents et des perceuses nous assaillent par un bruit mécanique et une odeur sucrée, de manière aléatoire les moteurs des perceuses se déclenchent et transvasent le lait d’un pot à l’autre tournant en circuit fermé. FLEUR DE LAIT de Delphine Reist est une machine autonome mêlant la douceur du lait à la froideur du métal brut. Nous sommes pris par l’installation, en attente qu’elle se déclenche, voir le lait se déplacer pour toujours revenir au point de départ, un processus électrique sans fin. Ca y est nous sommes pris dans le circuit.

Aux murs, des dessins de Martin Mc Nulty forment un parcours inaccessible navigant jusqu’au plafond. Ses formes, matrices sur papier de ses oeuvres objets, nous donnent l’illusion du volume, simples papiers de couleur découpés et rehaussés de noir à l’aérographe. Plus loin, une installation (sous verre) nous montre un circuit de bois couvert d’objets créés par l’artiste. Ces deux installations sont des circuits hermétiques, l’un circulant aux murs et au plafond, l’autre mis sous cloche.

La dernière pièce de l’exposition, au sous-sol, comble le désir ludique du spectateur ; Taka Kagitomi crée pour le lieu une variante de « Enlightment Hotel 2006 », trois caisses de bois sont disposés sur un podium en forme de trident, chaque côté accessible par des marches.
Un bruit sourd s’échappe des caisses, sous lesquelles sont étendus des sacs de couchage. Taka Kagitomi nous invite à s’y allonger, comme pour découvrir ce qui se passe sous le capot de l’engin. L’oeuvre interagit avec le visiteur, le spectacle étant aussi bien sous les caisses que dans la vision d’autres corps allongés, de jambes qui dépassent des trois boîtes.

Le circuit se fait chaotique, on tourne autour, on rentre dans l’une puis dans l’autre, se croisant, se gênant, attendant son tour.

ENTRE-NUITS - Joan Ayrton, peintures - du 21 février au 4 avril 2008

2008-02-12T11:55:00.004+01:00

Exposition du 21 février au 4 avril 2008
Vernissage le jeudi 21 février à partir de 18h30

La galerie Kamchatka présente ENTRE-NUITS du 21 février au 4 avril 2008, première exposition personnelle de Joan
Ayrton en ses murs.

« Le paysage subjectif qu’invente le romantisme sape les principes de l’imitation de la nature qui reposait jusque-là sur le visible (…) Le paysage intérieur cristallise l’aspiration paradoxale et apparemment démesurée, à présenter
l’invisible. » *

Le motif de l’horizon est l’expression la plus simple du paysage : air-sur-eau, ciel-sur-mer… Une ligne tendue entre deux couleurs. C’est précisément de cet endroit fragile, ténu, tendu et troublant que naît ou pas la perception d’un paysage. Une enfance vécue au bord d’un grand lac (Léman, Suisse) renforce ce lien à la ligne d’horizon comme motif obsessionnel, paysage structurel, architecture et géographie intime. Le travail consiste dès lors en la recherche ou la provocation constante de cet événement perceptif, principalement sur de grandes toiles fonctionnant en diptyques (200/200 ou 200/230 cm). L’image y apparaît du presque rien, fi ne couche de peinture à l’huile lisse et sans relief rentrée dans la fi bre d’une toile de lin brute. Chaque série de 3 ou 4 diptyques a une température, une heure du jour ou de la nuit, souvent entre les deux. D’un diptyque à l’autre le changement de couleur est léger, parfois imperceptible.
De cet instant déterminé de l’aube ou du crépuscule, la nuit est devenue le sujet d’une autre série. Une proposition s’opposant sur plusieurs points aux précédentes. Par la taille, très réduite (10/12,5cm), par le support, une plaque de métal, par le médium, la laque industrielle.

Il en résulte des paysages en 4 couleurs de nuit : peinture ondulante, volutes, ciels parfois chargés, baroques, créant une sensation d’immensité concentrée sur un tout petit format. Ces plaques laquées brillantes et fragiles, miroirs polis et légèrement irisés évoquent la plaque photographique, réfl échissante, délicate à manipuler, qui peut être vue comme un positif ou un négatif.

Prolongeant ces basculements d’échelles et de supports, une photographie d’une de ces petites laques sera imprimée et affichée (3/8 mètres) durant le temps de l’exposition sur le M.U.R. (Modulable Urbain Réactif), support d’exposition extérieur rue Oberkampf dans le 11ème arrondissement à Paris.

* Julie Ramos, « Un art intérieur et cosmique : la peinture de paysage romantique », in cat. L’invention du sentiment, Aux sources du romantisme RMN / Musée de la Musique, Paris, 2002.

Exposition en partenariat avec le M.U.R. qui affichera une laque de la série Entre-nuits à partir du 25 mars 2008.
L'actualité du M.U.R., içi..

Presse : Les bâillons de la bienséance, portraits d'une basse-cour

2008-01-20T03:35:00.000+01:00

Un article sur l'exposition de Raphaël Denis est publié sur le blog de Lunettes Rouges hébergé par lemonde.fr : ici

"Les bâillons de la bienséance, portraits d'une basse-cour" - Raphaël Denis, photographies - du 10 janvier au 18 février 2008

2008-01-04T20:42:00.001+01:00

Exposition du 10 janvier au 18 février 2008
Vernissage le jeudi 10 janvier à partir de 18h30

LES BAÎLLONS DE LA BIENSÉANCE
ou portraits d’une basse-cour

Ses séries les plus récentes, réalisées à partir de négatifs en verre de portraits du début du XXème siècle, illustrent son désir d’agir sur l’image et reflètent son intérêt envers un medium dont les prétentions étaient d’égaler et de surpasser la peinture, dans un genre vulgarisé, devenu accessible à des bourgeois dont les poses étaient empruntées aux tableaux des musées.

En infligeant, à l’aide d’outils et de substances divers, des modifications à ces représentations d’êtres collectées auprès d’antiquaires, Raphaël Denis met en place un protocole qui lui permet de synthétiser acte pictural et image photographique tout en jouant de la rivalité entre les genres, qu’il fait dialoguer et force à la conciliation. Ses séries « les Aïeux », « à force de ressusciter » et « les poules ont la vie dure » apparaissent comme la suite logique des peintures de « Gare au culte » et de ses prises de vue de « Voir comme un sourd », tant sur le plan
de l’aboutissement formel que du cheminement intellectuel. La matière des murs décrépis qu’il affectionne, les traces du temps, les raideurs de la religion et les dogmes occidentaux sont ainsi des éléments permanents d’un langage dont les modalités de présentation évoluent au fil des séries.
Biffés avec plus ou moins d’acharnement, les négatifs de ces portraits bourgeois fiers et hautains ne livrent plus au tirage que des visages scarifiés, environnés de motifs purulents qui marquent leur décrépitude. Dépouillant l’image initiale de tout élément de décor, Raphaël Denis offre sur le passé un regard neuf, concentré sur une figure livrée brute et dépourvue qui, transformée, a perdu son aspect désuet pour devenir, en dépit de ses meurtrissures – et sans doute grâce à elles – un objet de fascination, ayant la force d’une idole, comme si la puissance des êtres apparaissait avec plus d’évidence une fois leur apparat extérieur – beauté, costume, honorabilité, fauteuil, colonne – évacué.

Fabriquant sa photographie après la prise de vue, Raphaël Denis gratte, macule et fend, faisant traverser différents états au négatif avant l’obtention de l’image définitive, créant tour à tour différentes atmosphères qui enveloppent, voilent ou font ressurgir le modèle ; c’est l’obtention de la juste tension entre atmosphère et figure, entre geste et individu, qui signe l’arrêt du processus.
On peut rapprocher le travail formel de Raphaël Denis de celui de Joel-Peter Witkin, toutefois il ne prend pas pour matière première ses propres images mais utilise des photographies anciennes, recherchant des inconnus, choisis pour leur anonymat dont il récupère les visages et les corps, significatifs de cultes sociétaux et familiaux, pour les
soumettre au spectacle de leurs ratés.

C’est ainsi qu’avec un malin plaisir Raphaël Denis met en place autour des êtres un décor de larmes et de tempêtes, exprimant la douleur et les machiavélismes qui règnent entre les hommes ; tous – enfants, ecclésiastiques, mères de famille, prostituées, veuves, vieillards, juges, militaires et académiciens – sont soumis au même traitement, comme si aucun ne pouvait être innocent, comme si chacun était appelé à payer la présomption de sa culpabilité. La précision et la minutie des incisions dans la gélatine témoignent de la jouissance irrévérencieuse éprouvée à affubler un digne père de famille d’une choucroute ou d’une moustache hitlérienne. Mais à travers le combat mené contre les apparences, à travers l’exaltation nécessairement maîtrisée de l’écorchement, c’est aussi la jouissance de faire voir, de démontrer et de ranimer qui apparaît clairement.

Redonnant vie à ses anonymes, Raphaël Denis leur confère une nouvelle ampleur en montrant leur visage sous un autre aspect, en révélant les faux-semblants et les illusions. Par le biais de coulures, cassures et pourritures, toutes les rigueurs et les raideurs, les décrépitudes du mariage et de toutes les institutions révélent le tumulte permanent qui règne entre les êtres. Mettant à jour leur puissance perverse, il souligne leur caractère perfide et les fait apparaître sous un visage moins insipide. C’est en mettant au premier plan ses convictions, en livrant ce qu’il perçoit sous une image soucieuse d’imiter un modèle, de singer une idéalité, que Raphaël Denis confère de la densité à ses figures. Il grave son empreinte au cœur de l’image, en écrivant des phrases volontairement illisibles qui évoquent des psalmodies ou des échos inaudibles, ou encore en confrontant la figure à des éléments récurrents tels que les croix ou les traits verticaux barrés par une oblique - symboles par excellence du temps subi, du temps carcéral - qui évoquent autant de cicatrices. Son geste, s’il peut sembler purement sadique, retourne avant tout les codes et les convenances avec un humour dont témoignent les titres des photographies, qui apparaissent comme des légendes descriptives tantôt comme des sentences qui enrichissent l’image, suscitant décalages et échos sans jamais oublier de ridiculiser davantage.

Défigurés par le travail de leur image, les êtres ressurgissent comme dévoilés, parés de leur intérieur et munis de leur hypocrisie, criant leurs aspirations et leurs tourments. S’ils peuvent sembler relégués à distance et mis à l’écart, instrumentalisés, ils gagnent également en importance ; la croix qui les barre les rappelle instantanément à la mémoire. En cherchant l’égalité de force entre la matière qui l’entoure et la figure, en poursuivant un équilibre où la tension se fait expressive, Raphaël Denis ranime ainsi les êtres, réactivant leurs forces et leurs pensées. Son apparente cruauté peut alors même se muer en amour respectueux et fasciné.

NOEL AU KAMCHATKA - Exposition collective du 20 au 22 décembre 2007

2007-12-12T18:32:00.000+01:00

Kamchatka vous souhaite une très bonne année 2008 et vous invite à un brunch autour de l'exposition, avec les artistes, le 5 janvier 2008 à partir de 15h.

Les artistes :
David Andrade / Joan Ayrton / Dominique Baillot / Raphaël Denis / Alain Frentzel / Martin Gautron / Les Graphiquants / Aurélia Jaubert / Evangelia Kranioti / Carl Krull / Adrien Lécuru / Gabriel Léger / Martin Mc Nulty / Edgardo Montes de Oca / Liza Nguyen / Renata Rizck / Alexandra Roussopoulos / Régis Sénèque / Benjamin Swaim / Romain Taïeb / Rémy Lubin / Nobu.

LE LANGAGE DES OBJETS : «LE NAUFRAGE» DE LIZA NGUYEN

2007-12-12T18:28:00.000+01:00

LE LANGAGE DES OBJETS : «LE NAUFRAGE» DE LIZA NGUYEN
De Christoph Ribbat
traduction : Gaëtan Loppion, Nazira Taïrova

Rouge pour les maçons, vert pour les plombiers, bleu-gris pour les électriciens. Cela pourrait être juste une série sur un départ plein d’espoir. Les portraits de Liza Nguyen montrent de jeunes migrants en habit de travail, des Africains, installés ici à Ténériffe, leur nouveau pays. Les autorités locales assignent ces habits de couleur aux adolescents. Elles ont élaboré des projets pour eux, elles les ont logés et leur ont offert une formation professionnelle. Les jeunes hommes se tiennent devant une porte en fer, qui au premier regard nous fait penser à une prison puis au bout de quelques instants de réflexion à une remise à outils. Subtilement, la photographe révèle les gestes et les expressions du visage : la main relâchée ou crispée, un sourire de circonstance, un regard défensif. Ceux qui sont habituellement rangés dans des catégories redeviennent ainsi des êtres humains avec leur individualité. Liza Nguyen les photographie à l’aube de leur nouvelle vie. Bienvenue en Europe.

Pourtant aujourd’hui en 2007, la ville de Los Cristianos, Ténériffe, ne s’autorise pas d’être sentimentale. Ces portraits font le coeur de l’installation « The Shipwreck / Le Naufrage », inspirée à Liza Nguyen par cette ville côtière où les bâteaux de réfugiés arrivent inlassablement des côtes africaines. Ici, à Los Cristianos les autorités enregistrent régulièrement les décès de ceux qui n’ont pas survécu à la traversée. Ici, la police met rigoureusement en place un dispositif de déportation des survivants ( les jeunes hommes photographiés par Liza Nguyen sont autorisés seulement car ils sont mineurs). Mais Los Cristianos n’est pas uniquement le point de chute d’un exode désespéré vers une Europe supposée paradisiaque. C’est aussi la destination des touristes fuyant vers le paradis des îles Canaries. Les hôtels offrent buffets et petits déjeuners splendides, piscines luxueuses et plages dorées. Les touristes sont venus pour le soleil de l’Afrique, pas pour sa misère. Les gardes-côtes espagnols repoussent les opérations de sauvetage à la tombée de la nuit afin que les européens ne soient pas témoins de ces tragédies. Mais aussi Los Cristianos, et c’est évident, est le cadre choisi par de nombreux média pour mettre en scène et dramatiser l’arrivée de bateaux bondés sur le sable européen.

Cette plage est l’interface entre le monde occidental, le Tiers Monde, les média, les migrants, la police et les politiques. Rien n’est simple à Los Cristianos, et selon Liza Nguyen, un simple reportage ne peut mesurer le phénomène. La photographe propose un autre langage pour décrire l’endroit : celui des objets. Après tout, c’est le manque de biens d’un côté qui conduit à l’immigration et leur surabondance de l’autre qui rend possible le tourisme de masse. En se référant aux produits de consommation et à leur accessibilité, on peut expliquer la pauvreté et le luxe.

En s’appropriant les objets circulant sur place, Liza Nguyen crée un labyrinthe d’objets, confus et mouvant. Ils apparaissent seuls, sur un fond blanc, illuminés dans des boîtes et hyper-présents comme les produits des publicités. L’arrangement des boîtes lumineuses reflète la composition du « Radeau de la Méduse » de Géricault. Malgré son ironie et sa froideur, « The Shipwreck », comme le tableau de Géricault, se veut une exploration de la douleur humaine.

Liza Nguyen choisit l’esthétique la plus simple pour l’effet le plus dur. Elle nous montre la répartition fonctionnelle des objets de Ténériffe et relativise ainsi le regard plein d’espoir des futurs électriciens, maçons et plombiers. Bienvenue en Europe. Voici les vêtements que la police espagnole retire directement aux réfugiés africains, pièce par pièce, tout finit aux ordures. Ici les lunettes de sécurité, les gants en caoutchouc, et les menottes des policiers effectuant leur travail. Ici les vêtements neufs pour ceux qui vont être rapatriés. Le savon, le dentifrice, la brosse à dents, le peigne donnés par la Croix Rouge. Il y a aussi un petit bikini, une casquette avec un palmier, un set de rackets de plage pour que les touristes puissent s’amuser. Ici, immaculé et bien plié, un sac pour masquer et déplacer les cadavres. Point final, le langage des objets nous rend muet.

DISPLACED - Liza Nguyen, photographies - du 7 novembre au 19 décembre 2007

2007-10-23T17:08:00.000+02:00

Exposition du 7 novembre au 19 décembre 2007
Vernissage le vendredi 9 novembre à partir de 18h30

“THE SHIPWRECK /LE NAUFRAGE”, 2007
Installation caissons lumineux et portraits
illustration au verso, format vertical

“TEMPORARY”, Nouvelle série

“SOUVENIRS OF VIETNAM” 2005
Pré-vente du livre avec une édition
spéciale limitée

Carl Krull video

2007-10-03T18:39:00.000+02:00

Carl Krull, œuvres récentes sur papier - 19/09 > 27/10

2007-09-11T19:02:00.000+02:00

Carl Krull présente sa première exposition personnelle à la galerie Kamchatka du 19 septembre au 27 octobre.

Carl Krull dessine depuis toujours. De manière obsessionnelle, il trace des corps, des éléments architecturaux comme une représentation de connexions mentales et physiques. Les lignes abruptes et rudes de ses œuvres sur papier nous font pénétrer à l’intérieur même du cortex cérébral de ses personnages ; l’attitude de ses corps noueux, les rictus, quelques rares éléments : crâne, aiguille, escalier, … sont autant de pistes vers les états d’âme duaux des personnages : souffrance, bien être, joie, peine, recueillement et fureur.

Les œuvres présentées ici, peinture et dessin sur papier ont été réalisées vite, dans un souffle et au sol, de manière instinctive. Carl Krull se laisse porter par sa main, qui trace des lignes familières, toujours des corps, nus et repliés.

Un ou deux personnages sont présents sur chaque œuvre, le spectateur est témoin d’un acte muet, interaction entre deux corps, introspection, réflexion…
Une œuvre nous montre un homme accroupi venant tout juste de planter une aiguille à l’intersection du pouce et de l’index, il s’agit ici d’acupuncture, éxécutée sur son propre corps, hésitation entre un sentiment de souffrance, mutilation du corps, et médecine douce, équilibre entre énergie et matière.

L’œuvre de Carl Krull repose sur une hésitation, entre douleur et soulagement, à la recherche d’un équilibre…

Car Krull est né en 1975 à Aeroeskoebing (Danemark). Il étudie le dessin et l’animation à la Jan Matejko Academy of Fine Arts, à Cracovie (Pologne) puis à la San Carlos Academy of Fine Arts à Mexico (Mexique).
Carl Krull est représenté par la galerie Kamchatka à Paris et la V1gallery à Copenhague.
Ses œuvres seront montrées à Preview Berlin 07 du 28/09 au 1/10/07.Carl Krull est actuellement en résidence au Art Studio Itsukaichi à Tokyo (Japon).