galerie kamchatka

OPENING 24.06.10 : V.A.D. - BY CLASSIC - 25.06 > 18.07.10

2010-05-02T20:22:00.002+02:00

galerie kamchatka

23, rue charles V 75004 Paris

www.kamchatka.fr

24.06.10 : VERNISSAGE / OPENING : VAD CURATED BY CLASSIC
EXPOSITION DU 25.06.10 AU 18.07.10

Carte blanche à CLASSIC

Va Au Diable

Apparus au tout début de la décennie 90, les VAD sont avant tout un groupe de graffiti. Va Au Diable comme une définition parfaite de leur vision de la vie en tant que grand messe autodestructrice. Après une vingtaine d'années de pratique extrême dans les rues de Paris, mais aussi de fêtes, de voyages et de déviance en tout genre, ses membres ont également acquis une solide expérience en matière de création artistique. Individuellement, chacun a expérimenté d'autres voies, construisant peu à peu une oeuvre au style unique.

Produite par Classic, Va Au Diable sera une exposition événement réunissant à la fois la totalité des membres du groupe au sein d'une installation inédite, tout en laissant carte blanche aux quelques artistes expérimentés qu'il compte (Honet, Olivier Kosta-Théfaine, Earl, Nascio, Noé Nadaud NP77, Silvio Magaglio, Gues, Smurf, 2Shy, Spit).

Cette exposition sera également l'occasion de proposer un ouvrage inédit, édité à seulement 500 exemplaires. Plutôt conçu comme une monographie du groupe qu'un catalogue fidèle des oeuvres montrées, il sera la trace permanente de cette exposition temporaire.

Pour plus d'informations : www.kamchatka.fr ou http://kamchatka-artblog.blogspot.com

La galerie est ouverte du mercredi au samedi de 14h à 19h30

OPENING 07.05.10 : LE PERVERSIONISME - CURATED BY LUIS NIETO - 07.05 > 19.06.10

2010-05-02T20:04:00.001+02:00

galerie kamchatka

23, rue charles V 75004 Paris

www.kamchatka.fr

07.05.10 : VERNISSAGE / OPENING : LE PERVERSIONISME (18H-21H)

LE PERVERSIONISME CURATEUR : LUIS NIETO.

MARCEL FLORES / MANUEL YAMAMOTO / JOSE MORALES / DARIO GOMEZ / NELSON DELAROSA

07.05.2010 > 19.06.2010

La galerie Kamchatka est heureuse d'annoncer l'exposition LE PERVERSIONISME présentée par Luis Nieto.

Pour sa première exposition personnelle à la galerie, Luis Nieto a choisi d'intervenir en tant que curateur. Il présente içi une sélection d'oeuvres d'artistes perversionistes : Marcel Flores, Manuel Yamamoto, Jose Morales, Dario Gomez et Nelson Delarosa ; et le documentaire qu'il a réalisé sur l'histoire du Perversionisme.

PROJECTIONS le vendredi 7 mai 2010 en présence de Luis Nieto à 19h et 20h.

Durée : 30 minutes.

Le perversionisme - teaser 1

Le Perversionisme - teaser 2

Introduction : LE PERVERSIONISME

Le Perversionisme est un mouvement artistique clandestin né au début des années 80 en Amérique du Sud et librement inspiré du livre "El Perversionismo" de Francisco Flores.

Malgré son manque de reconnaissance actuel, Francisco Flores est l'une des plus fortes influences contemporaines sur la scène artistique underground sud américaine. Il représente l'axe intellectuel du mouvement perversioniste.

Son fils Marcel Flores est aujourd'hui un membre majeur du courant perversioniste.

Malgré son manque de reconnaissance internationale, Francisco Flores constitue l’une des références les plus importantes de la scène artistique underground sud américaine. Il représente l’axe intellectuel du mouvement Perversioniste.

«Le Perversionisme» est sans doute un mot méconnu par la plupart des gens. En effet, étant un mouvement clandestin, et totalement hors la loi, de fortes influences politiques exercées sur la scène intellectuelle ont réussi à le faire disparaître de l’histoire des sciences humaines.

Il est temps de mettre en lumière, et de rendre hommage à tous ceux qui, à mon avis, constituent aujourd’hui un véritable mouvement artistique hors norme et marginal, aux artistes sans aucune concession vis à vis des attentes de la scène contemporaine, et surtout sans aucune prétention de reconnaissance sociale ou économique.

C’est d’ailleurs pour cette raison que j’ai décidé d’en parler aujourd’hui, même si, pour des soucis de sécurité, j’ai demandé, pour ce documentaire, à être un témoin anonyme.

Mais pour commencer à parler du perversionisme, il faut commencer par parler de Francisco Flores qui pose la première pierre de ce mouvement avec un ouvrage philosophique intitulé «El perversionismo ». Il y invite l’humain à surréaliser sa propre perversion intrinsèque pour la sublimer a travers des « tentatives ».

Un collectionneur anonyme

in LE PERVERSIONISME, documentaire de Luis Nieto.

Extraits du livre «El Perversionismo» de Francisco Flores

première édition : 1969 ( traduction Chonchita Fernandez )

M. Dieulangage

«Le réel est là, ici et partout. L’homme a une approche limitée par ses sens à cette réalité. D’une façon imaginaire-tangible seulement une partie de la réalité existe pour l’homme. Mais d’une façon symbolique (avec le langage) tout est susceptible d’exister. Par exemple, en prononçant le mot «tout», je fais un ensemble qui contient toutes les choses, même celles qui n’existent pas en tant qu’image et aussi le néant, «rien». Ce paradoxe dans la logique du langage est ce que j’appelle le perversionisme, technique qui est propre au langage. Créateur et destructeur à la fois, caractéristique principale de dieu. Le langage est donc comme dieu: tout et rien; loi qui est au dessus des hommes. Néanmoins, l’homme est le seul être capable de maîtriser le langage. homme-langage(dieu)-homme. Qui maîtrise qui?

Il est bien connu que le langage est une force et une structure qui dépasse l’homme, pourtant, après tout ce temps vécu ensemble, l’homme a réussi (même si c’est d’une façon maladroite) à maîtriser le langage. Tellement naïf d’avoir mis le mot déification dans le dictionnaire, et le verbe naître conjugué au futur de la première personne dans le Bescherelle (manuel officiel de la conjugaison de la langue française) , tout cela sans se rendre compte.»

Contrôle total des sphincters

«Lors de ma démonstration au monde en 1932 que l’œuf fut avant la poule (réponse qui par ailleurs m’a valu le prix de la «lucidité» accordé par le Ministère de la Culture d’Uruguay) j’ai réalisé que l’humanité était déjà arrivée à un stade très supérieur de pensée, et surtout, très proche de la réalité et de la vérité. Depuis ce jour là, j’ai dédié ma vie à donner aux hommes les armes pour se battre contre dieu. Mais aujourd’hui, je découvre avec une ridicule tristesse et résignation, qu’il ne s’agissait que d’une lutte autodestructrice, car l’homme a toujours été à la place de dieu[...] ce stade dieu se manifeste d’une façon plus évidente chez les constipés et les hommes sans visage tels que Leopold Bloom et Cristophe Colomb[...] ainsi le cercle de l’évolution se ferme comme un chien qui a réussi à se mordre la queue : (voir fig. 15)[...]»

La pâte-à-modélangage

«Tous les pères du monde ont eu des pères eux aussi, sauf un : Dieu. Lui est une autre version du père, une sorte de bâtard qui est la loi suprême, qui vient de nulle part parce qu’il est la cause première, le langage. Une matière prime rigidement souple, follement sage ; une loi qui est au dessus de tout, aussi puissante qu’elle peut se détruire et recréer elle même, sinistrement pervertie car elle peut se reconnaître, mais aussi se renier en tant que loi, cela : «pâte-à-modélangage»* voir fig.22»

Dieu pervers

[...] si tout est relatif à l’homme, et l’homme est la mesure de toute chose (prémisse majeur) or je suis un homme (prémisse mineur), donc j’intitule (avec un mot du langage propre aux hommes) ceci «axiome»: «puisque personne n’a vu mon visage, je ne suis qu’un mot : «Flores», un mot fait de pur langage qui est «dieu».

Après avoir tué Dieu, il faut bien l’enterrer et pour cela il ne suffit pas d’une maîtrise du langage. Il nous faut un contrôle complètement inconscient des sphincters et aussi pouvoir inventer un langage. Voici mon premier pas pour une nouvelle surhumanité : «el perversionismo»

Découvrez l'étrange histoire du mouvement perversioniste

décryptée par Luis Nieto dans son documentaire :

LE PERVERSIONISME...

Pour plus d'informations : www.kamchatka.fr ou http://kamchatka-artblog.blogspot.com

La galerie est ouverte du mercredi au samedi de 14h à 19h30
Contact : Gaetan Loppion [ 01.42.71.22.59 - 06.76.45.79.30 - contact@kamchatka.fr ]

HYBRID TERRITORIES - OPENING 20.03.10 (> 01.05.10)

2010-03-13T01:23:00.004+01:00

galerie kamchatka

23, rue charles V 75004 Paris

www.kamchatka.fr

20.03.10 : VERNISSAGE / OPENING : HYBRID TERRITORIES (16H-21H)

HYBRID TERRITORIES

JOAN AYRTON / GRÉGORY CHATONSKY / BAS ZOONTJENS

20.03.2010 > 01.05.2010 - VERNISSAGE : 20.03.10

La galerie Kamchatka est heureuse d’annoncer l’exposition HYBRID TERRITORIES qui regroupe les travaux de Joan Ayrton (artiste de la galerie) et de deux artistes invités : Grégory Chatonsky (galerie Poller, Frankfurt - New York) et Bas Zoontjens (galerie Cokkie Snoei, Rotterdam) autour d’une intention d’invention du paysage.

Tous trois créent à travers les oeuvres présentées des paysages et territoires fictifs. Le paysage s’oppose à la nature en cela qu’il est un point de vue, un point précis d’où part le regard, un simple pas de côté modifie et altère notre perception d’un espace, donnant à voir tout autre chose. A l’heure où l’homme est décidé à sauver la nature et la terre, rejetant deux degrés supplémentaires au thermomètre, nous pouvons nous interroger sur la manière choisie ou non d’agencer les territoires et paysages. Aux frontières des zones rurales et urbaines, on trouve des espaces étranges et difficiles à définir. On y ronge le sauvage pour y planter ce qui ne passe plus en ville : zones commerciales et industrielles, échangeurs routiers, parkings, etc...

Ces espaces hybrides s’étendent depuis longtemps, le paysage agencé et maîtrisé dans un but fonctionnel et utilitariste. L’anthropisation - transformation d’espaces ou de milieux naturels sous l’action de l’homme - est inhérente à notre présence, l’idée de Wilderness, un espace naturel préservé à tout prix, interdit à l’activité humaine, est une utopie réalisée - tous les pays ont créés des concepts de réserves et parcs naturels - mais incomplète puisqu’elle ne peut être que temporaire. L’idée romantique d’une nature vierge et primaire ne fait pas le poids face à l’utilisation pragmatique de ses ressources et le risque constant de destruction volontaire ou accidentelle.

Deux notions s’affrontent : contrôler et régenter tel le démiurge conscient de son pouvoir et sûr de son droit ou, être le strict gardien de ce qui peut être préserver, le conservateur des vestiges naturels encore intacts, John Muir face à la vallée de Yosemite.

Le terme hybride nous renvoit également à l’altération humaine de la nature ; hybrida, en latin, définit simplement le croisement d’un cochon et d’un sanglier. C’est à travers son étymologie grecque que l’on retrouve le sens moral du mot : L’hybris étant considérée dans la mythologie comme la faute humaine ou divine de démesure, de dépassement de la limite. Dans le code moral antique, prémice de la morale chrétienne, elle est punie par la Némesis, vengeance divine destinée à rétablir l’équilibre naturel des choses.

On retrouve cette dualité dans les oeuvres de Joan Ayrton, Grégory Chatonsky et Bas Zoontjens, elles révèlent une nature et des paysages altérés, transformés d’où poignent un malaise, un sentiment étrange de désolation. Ils nous montrent des territoires hybrides, à portée de Nemesis.

Joan Ayrton, présente des oeuvres récentes de la série «Iridescant Landscape» (acrylique sur papier, 2009-2010). Dans cette série, l’utilisation de couleurs iridescantes révèle des paysages denses et complexes où la ligne d’horizon toujours présente apparaît selon l’angle de vue. «Graphite» (graphite sur bois, 2009) évoque un paysage de nuit dont la ligne d’horizon apparaît ou non selon les reflets du graphite.

«The road» (photographie, 2009), de Grégory Chatonsky dévoile des bords de route où des arbres calcinés s’entremêlent et surgissent d’une nuit d’encre. L’enchevêtrement des branches grises et mates ne nous permet pas réellement de distinguer s’il s’agit de bois ou de matériaux manufacturés détruits. Grégory Chatonsky présente également au sous sol de la galerie, une installation vidéo «The Forest» (2009), un long traveling à travers les cimes d’une forêt numérique. Il s’agit en réalité d’images en 3D créées automtiquement à partir de données récupérées sur internet.

Bas Zoontjens qui expose pour la première fois en France, présente une série de peintures sur bois de petits et moyens formats. Ses peintures fragiles inventent un monde d’architectures utopistes, évoquant un futur possible pour l’humanité. Avec très peu de moyens, il nous plonge dans un univers irréel et atemporel mêlant formes géométriques et constructions d’espaces en ruine.

Nous serons heureux de vous recevoir à l'occasion du vernissage de l'exposition

le samedi 20 mars 2010 à partir de 16h (en présence des artistes).HYBRID TERRITORIES

exposition du samedi 20 mars 2010 au samedi 1er mai 2010.

Pour plus d'informations : www.kamchatka.fr ou http://kamchatka-artblog.blogspot.com

La galerie est ouverte du mercredi au samedi de 14h à 19h30
Contact : Gaetan Loppion [ 01.42.71.22.59 - 06.76.45.79.30 - contact@kamchatka.fr ]

Exhibition view : TOTALLY MATERIAL, FORMS AND INCLUSIONS - Martin MC NULTY - 29.01.10 > 15.03.10

2010-02-11T19:28:00.000+01:00

LETTRES A ELISE OCCPUPATION #01 / COLLECTIF ANONYME 21.01 > 24.01.10

2010-01-28T04:05:00.000+01:00

LETTRES A ELISE, installation présentée à la galerie Kamchatka par le Collectif Anonyme du 21 au 24 janvier est une œuvre éphémère composée de plusieurs mètres cube de sacs poubelles disposés en tas. Le titre sert de courte explication, il s'agit d'une multitude de lettres d'amour à la belle Elise, récupérées, amassées par le collectif depuis 5 ans : les leurs, celles d'illustres inconnus, bref une multitude de courriers froissés comme autant de déclarations et brouillons mis de côté, jetées ou en attente. Une collection d'actes manqués. Notre curiosité restera insatisfaite et le secret bien gardé, les sacs poubelle scellés et opaques ne révélant rien du contenu. Une seule lettre est visible, l'ultime, celle de la rupture

TOTALLY MATERIAL, FORMS AND INCLUSIONS - Martin MC NULTY - 29.01.10 > 15.03.10

2010-01-23T16:33:00.015+01:00

galerie kamchatka
23, rue charles V 75004 Paris
www.kamchatka.fr

Pour sa première exposition personnelle à la galerie Kamchatka, Martin Mc Nulty nous présente une série de dessins sur papier "Raised Forms", et une sélection de peintures et d'inclusions.

Nous serons heureux de vous recevoir à l'occasion du vernissage de l'exposition
le vendredi 29 janvier 2010 à partir de 17h.

TOTALLY MATERIAL, FORMS AND INCLUSIONS
exposition du vendredi 29 janvier 2010 au samedi 13 mars 2010.

Pour plus d'informations : www.kamchatka.fr ou http://kamchatka-artblog.blogspot.com
La galerie est ouverte du mercredi au samedi de 14h à 19h30
Contact : Gaetan Loppion [ 01.42.71.22.59 - 06.76.45.79.30 - contact@kamchatka.fr ]

Kamchatka vous souhaite de joyeuses fêtes...

2009-12-27T15:31:00.002+01:00

Image : "Love me do", Taka Kagitomi, video, 2007.

La galerie Kamchatka vous présente ses meilleurs voeux pour l'année 2010, nous sommes fermés du 23 décembre 2009 au 5 janvier 2010.

Programme 2010 :

Jusqu'au 16 janvier 2010 : Group Show #002

Du 29 janvier au 15 mars 2010 : Martin Mc Nulty

Du 20 mars au 2 mai : Hybrid territories : Joan Ayrton, Grégory Chatonsky, Bas Zoontjens.

Du 7 mai au 19 juin : El Perversionismo, curateur : Nieto

Du 23 juin au 18 juillet : carte blanche à la MJC

GROUP SHOW #002 - 28.11.09 > 16.01.10

2009-11-25T16:44:00.003+01:00

galerie Kamchatka at SLICK - 23.10.09 > 26

2009-10-15T20:15:00.001+02:00

Galerie Kamchatka is delighted to announce its participation in SLICK 2009 at the 104.

We will be displaying works by Joan Ayrton, Christoph Bucher, Raphaël Denis and a conference by Nieto.

galerie Kamchatka - booth F02

SLICK
LE 104 - 104, rue d'Aubervilliers 75019 PARIS
23.10.2009 > 26.10.2009

paintings and photographs by JOAN AYRTON
paintings by CHRISTOPH BUCHER
photographs by RAPHAEL DENIS
conference by NIETO at Room 200 _ Friday, 23 october 2009 _ 7 P.M.

More info : www.slick-paris.com

galerie Kamchatka | 23, rue Charles V - 75004 Paris
du mardi au samedi de 14h à 19h30 et sur rendez-vous
Métro > St-Paul • Bastille • Sully-Morland
mail : info@kamchatka.fr | www.kamchatka.fr
Tél. : +33 1 42 71 22 59 | Fax : +33 9 74 58 22 59

Newsletter OCTOBRE 09 galerie kamchatka

2009-10-03T19:56:00.001+02:00

galerie kamchatka

23, rue charles V - 75004 Paris

contact@kamchatka.fr

www.kamchatka.fr

Chers amis,
la galerie Kamchatka est heureuse de vous annoncer son actualité du mois d'octobre.

A la galerie :

--
> 17.10.09 : La disparition des corps, Rachel Labastie, Nicolas Delprat.
Commissariat d'exposition : Christian Alandete.

--
20.10.09 > 03.10.09 : Group Show #002 avec Collectif Anonyme, Les Graphiquants, Taka Kagitomi, Adrien Lécuru, Martin Mc Nulty, Liza Nguyen, Nieto, Renata Rizck.
Pendant SLICK, la galerie est ouverte sur rendez vous et présenté une sélection d'oeuvres des artistes de la galerie.

** Carnet, collectif anonyme, 2007 et DMZ, Liza Nguyen, 2005.

Hors les murs :

23.10.09 > 26.10.09 : SLICK 09, Joan Ayrton, Christoph Bucher, Raphaël Denis.

Le CentQuatre, 104, rue d'Aubervilliers - 5, rue Curial, 75019 Paris
Kamchatka pour sa première participation à Slick présentera sur son stand :
Vacarme, nouvelle série de peintures sur papier de Joan Ayrton
Wood, série de peintures de Christoph Bucher
Raphaël Denis, photographies.
+ conférence organisée par NIETO : vendredi 23.10.09 à 19h. Salle de conférence, 104.
+ performance du Collectif Anonyme le soir du vernissage.

--
TAKA KAGITOMI

> 18.10.09 : Geschwindigkeit, exposition collective, Kokerei Hansa, Dortmund, Allemagne.

--
LIZA NGUYEN

> 12.2009 : résidence de 6 mois à Tel Aviv, Israël.
Résidence organisée par Goethe Institut Tel Aviv, NRW Kunststiftung, Cary et Dan Bronner Foundation.

LA DISPARITION DES CORPS - Rachel Labastie, Nicolas Delprat - du 8.09.09 au 17.10.09

2009-08-25T18:00:00.018+02:00

La galerie Kamchatka présente la première exposition commune de Rachel Labastie et Nicolas Delprat.

LA DISPARITION DES CORPS, exposition du mardi 8 septembre au samedi 17 octobre 2009.
Commissariat d'exposition : Christian Alandete.

La disparition des corps

Le XXème siècle aura été marqué par une transformation radicale de « l’art de la guerre », opposant à la stratégie du combat militaire, l’extermination génocidaire des populations civiles. L’élimination programmée du peuple juif par le régime nazi, le massacre du peuple arménien par l’empire ottoman, comme celui des tutsis au Rwanda ou des bosniaques de Serbie ont, chacun à leur manière, repoussé les limites du concept d’humanité et l’imaginaire de la barbarie. Loin de se contenter de tenter de décimer des populations entières, les exactions ont aussi consisté à faire disparaître les corps, dans une vaine tentative d’effacer les traces des horreurs commises. L’exhumation des corps (ou ce qu’il en reste) et leur identification restait alors le seul moyen de rendre « réel » ce que la conscience humaine ne pouvait concevoir. A l’image des corps décharnés, entassés derrière les barbelés des camps de concentration s’est substitué celles des populations parquées derrière les grillages des camps de rétention. Dans le troisième volume de son ouvrage « Homo Sacer », titré « Ce qui reste d’Auschwitz : l’archive et le témoin », le philosophe italien Giorgio Agemben pointe ce qui aujourd’hui semble être un nouvel « état d’exception généralisé » qui justifie au nom d’une obsession sécuritaire, des formes, certes moins radicales mais non moins iniques, d’exterminations physiques mais aussi psychologiques.

Le travail de Rachel Labastie comme de Nicolas Delprat, témoigne de manière indirecte d’un certain état du monde dans lequel l’individu est physiquement absent et cependant particulièrement perceptible. S’il y a des couples d’artistes qui choisissent d’unir leurs forces pour produire une œuvre commune, d’autres tracent des voies distinctes, empruntant des routes parallèles qui peuvent par moments se croiser. Partenaires dans la vie, les deux artistes développent depuis plusieurs années des œuvres portant sur des sujets en apparence éloignés, formulées pour chacun avec son propre vocabulaire. Pourtant, le travail de l’un trouve des résonances dans celui de l’autre dès lors qu’il est mis en relation. Ce dialogue, pour partie lié à leur proximité, trouve sa pleine réalisation dans une même approche physique de la matière qui, paradoxalement, prend sa source dans une interrogation sur des formes particulièrement immatérielles : le saisissement de la lumière d’un côté, les formes alternatives de spiritualités de l’autre.

Si le corps n’est jamais figuré, ni chez l’un, ni chez l’autre, il en est pourtant un des sujets centraux. L’univers des toiles de Nicolas Delprat dépeint des géographies à la fois hyperréalistes et totalement fantasmées dans lesquelles l’individu ne subsiste que par les signes lumineux qu’il semble émettre. Paysages désertés, appartements abandonnés, installations lumineuses, les motifs reproduits sur la toile témoignent d’une expérience physique de l’espace où toute présence humaine est nécessairement hors champ.

De son côté, Rachel Labastie produit des installations dans lesquelles le corps est potentiellement contraint ou mis à distance, sans jamais être matérialisé. Dans une de ses premières œuvres pourtant, elle approchait de manière plus directe sa représentation pour mieux s’en éloigner, tentant de saisir dans un brouillard de fumée la projection d’un corps, devenu volatile et insaisissable (sculpture, 1999). Dans sa récente série d’« Entraves », elle répertorie les instruments de la contrainte, reproduisant en fine porcelaine blanche les fers des esclaves, transformés en singuliers trophées d’un passé coloniale où coexistaient les hommes libres et ceux privés de droits. Sa réactualisation, sous une forme à la fois séduisante et néanmoins bien fragile, rappelle la permanence d’un esclavage dit « moderne » dans laquelle la femme est restée la principale victime. Ses dernières pièces reproduisent, à l’échelle, des cerveaux en paraffine blanche, accumulées comme dans une sépulture contemporaine de la pensée. Utilisant la matière même qui enveloppe l’organe, elle met à nu cette partie du corps qui enregistre et traite l’information extérieure comme notre propre histoire. Véritable réceptacle des traumas, le cerveau reste le dernier rempart contre l’aliénation dans le même temps qu’il fait l’objet d’un commerce généralisé. Du « temps de cerveaux disponible », vendu aux annonceurs par la télévision commerciale, à la « fuite des cerveaux », comme nouveau modèle des flux migratoires encouragés par les grandes puissances - dans une politique d’immigration « choisie » - le contrôle des corps a basculé vers une manipulation organisée des esprits.

Le scénario imaginé dès 1948 par Georges Orwell dans son récit d’anticipation « 1984 » semble aujourd’hui plus loin de la Science Fiction que de la réalité. La « police de la pensée » a évidemment pris une forme beaucoup plus subtile dans une société du spectacle généralisé qui libère l’esprit pour mieux le contrôler.

A sa manière, Nicolas Delprat emprunte aussi au registre de la science fiction, des images rémanentes, ancrées dans l’inconscient collectif. Dans la série des « Zones », il décline un même motif de grillage qui vient placer le spectateur dans une position ambiguë, à la fois attiré par les jeux de lumière en arrière-plan des tableaux et maintenu à distance. En choisissant des formats proches de l’échelle 1, il le fait plonger au cœur de cette hyper-réalité sans qu’il puisse savoir de quel côté du camp il se trouve. Si l’on perçoit un imaginaire de référence qui trouve sa source dans les grands récits d’anticipation, on est cependant aussi pris au piège de l’histoire de ces frontières arbitraires qui se déplacent au gré des conflits, plongeant des populations entières dans des exils forcés. Pour autant, c’est au-delà de l’image que les tableaux trouvent leur pertinence, dans un aller-retour entre figuration et abstraction. Comme chez Rothko, le motif ne semble qu’un prétexte de représentation qui permettrait de s’adresser directement à l’inconscient jungien, stimulé par la matière vibrante de sa peinture.

Dans « Naissance de la tragédie » Nietsche définit la tragédie grecque comme la forme artistique qui a su réunir un temps les deux grandes forces jusque-là opposées de l’appolinien et du dyonisiaque (l’un représentant l’ordre, la raison, le rêve et son interprétation, l’autre l’instinct primitif et les forces naturelles). De la même manière, les travaux de Rachel Labastie et Nicolas Delprat conjuguent des forces contraires en décrivant sous des formes séduisantes des réalités obscures. Par cette mise à distance, ils échappent à toute lecture monolithique en maintenant le trouble entre une critique de la société contemporaine et la mémoire de son passé répété.

Christian Alandete
(commissaire d'exposition indépendant)

* Rachel Labastie est représentée par la galerie LA BANK.

SUMMER09

2009-07-28T18:15:00.003+02:00

Durant l'été, la galerie est ouverte sur rendez vous du mercredi au samedi. Nous vous proposons de venir découvrir une sélection d'oeuvres des artistes de la galerie.

N'hésitez pas à contacter Gaëtan Loppion pour tout renseignement au 06 76 45 79 30 ou par mail : contact@kamchatka.fr

----------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------
----------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------

Programme :
8 septembre 2009 : Vernissage de l'exposition LA DISPARITION DES CORPS, Rachel Labastie et Nicolas Delprat, commissaire : Christian Alandete.
23 octobre 2009 : Vernissage SLICK
artistes présentés : Joan Ayrton, Christoph Bucher, Raphaël Denis.

PAPIER MACHINE _ 3è partie

2009-07-28T17:27:00.010+02:00

c/ # PAPIER MACHINE _ 14/05>04.07 _ Exposition collective low cost avec David Andrade, Joan Ayrton, Christoph Bucher, Collectif Anonyme, Raphaël Denis, Hervé Dez, Alain Frentzel, Les Graphiquants, Je Suis Une Bande de Jeunes, Evangelia Kranioti, Adrien Lécuru, Martin Mc Nulty, Renata Rizck, Alexandra Roussopoulos.

En entrant on repère le photocopieur plus tout jeune au milieu de la galerie, incongru, anachronique à l’heure du numérique, me serais-je trompé de lieu, non...non c’est bien çà. La crise est là, diasec, dibond, chassis hors norme, installations high tech et monumentales, on aime mais on ne peut plus ni produire ni investir, alors on fait autrement, low fi, low tech, low cost.. Attention au cost killer, la chasse est lancée, on utilisera la photocopie, l’imprimante familiale et la sueur de nos fronts.

Vernissage "d" Joël Riff - curieux _ 24.04.09 > 18h _ PAPIER MACHINE

2009-04-20T20:27:00.003+02:00

PAPIER MACHINE - exposition en 3 parties du 10/04 au 04/07

2009-04-04T16:00:00.003+02:00

1/ Tazas _ 10.04>21.04
Exposition et présentation du livre Tazas de Guillaume Beinat, Benjamin Stoop et Oze Tajada. Un livre et une exposition en forme de cadavre exquis graphique (oeuvres communes de Guillaume Beinat, Benjamin Stoop et Oze Tajada, installation vidéo de Jérémy Delhuvenne).
http://www.tazasproject.com/

2/ «d» Joël Riff - curieux _ 24.04>09.05
Joël Riff parcourt près de 6 expositions par jour (2143 en 2008). De chaque visite, il édite une fiche compilant images et textes. Depuis 5 ans il accumule les données et les stocke alphabétiquement. Ici il nous présentera les fiches classées sous la lettre D.
http://www.curieux.over-blog.com/

3/ # Papier machine _ 14/05>04.07
Exposition collective low cost avec David Andrade, Joan Ayrton, Christoph Bucher, Collectif Anonyme, Raphaël Denis, Hervé Dez, Alain Frentzel, Les Graphiquants, Je Suis Une Bande de Jeunes, Evangelia Kranioti, Adrien Lécuru, Martin Mc Nulty, Renata Rizck, Alexandra Roussopoulos.
En entrant on repère le photocopieur plus tout jeune au milieu de la galerie, incongru, anachronique à l’heure du numérique, me serais-je trompé de lieu, non...non c’est bien çà. La crise est là, diasec, dibond, chassis hors norme, installations high tech et monumentales, on aime mais on ne peut plus ni produire ni investir, alors on fait autrement, low fi , low tech, low cost..
Attention au cost killer, la chasse est lancée, on utilisera la photocopie, l’imprimante familiale et la sueur de nos fronts.

PAPIER MACHINE

2009-03-13T16:24:00.005+01:00

PAPIER MACHINE
Exposition en trois parties
11/04 > 04/07
Suivez l'exposition sur http://atkamchatka.tumblr.com/

CHRISTOPH BUCHER vs. PIA FRIES - Exposition de peintures - du 7/02 au 4/04

2009-01-30T17:06:00.003+01:00

La galerie Kamchatka présente du 7 février au 4 avril 2009 la première exposition commune de Christoph Bucher et Pia Fries : CHRISTOPH BUCHER VS PIA FRIES.
Pour sa première exposition à la galerie Christoph Bucher a choisi d’inviter Pia Fries. Il collabore à son travail depuis plusieurs années en tant qu’assistant.

Pia Fries présente dans l’exposition la série PORTFOLIO composée de 8 planches de sérigraphies (1999, 65.5 x 50 cm) et 3 oeuvres sur papier inédites (1999-2001, technique mixte). Dans la série PORTFOLIO, Pia Fries, contrairement à ses peintures, ne laisse que très peu de blanc, presque toute la surface du papier est recouverte de grands aplats sur lesquels viennent se superposer des amas de couleur comme fraîchement sortis du tube et posés à la brosse.

Christoph Bucher expose pour la première fois la série LAYERS (2007 - 2009) dont le titre fait référence à la technique utilisée.
Christoph Bucher peint sur des chassis en bois fabriqués par ses soins, il applique différentes couches de peinture noire diluée à l’eau à travers des masques et pochoirs successifs. Il obtient ainsi une superposition de formes géométriques du gris clair au noir. Le veinage et la couleur du bois (pin, bouleau, lauan) apparaissent en transparence à travers la peinture. Les différentes dimensions créées par les amas de formes géométriques sont perturbées par le bois plus ou moins présent selon les tableaux,le bouleau donne un effet très lisse et clair, le lauan d’un marron très foncé boit la peinture et donne beaucoup plus de pesanteur.
La deuxième série RELIEF, est un travail antérieur à LAYERS, il s’agit d’une série de moulures de plâtre sur chassis de bois. Là aussi le matériau (plâtre) est visible, Christoph Bucher le coule sur son chassis et lui donne un aspect légèrement froissé et aplati. Les tableaux sont toujours présentés par groupe, collés les uns aux autres. On pense au confort de coussins blancs ou à des murs capitonnés, signe d’aliénation.

Mis en regard l’un de l’autre, les travaux de Pia Fries et de Christoph Bucher semblent appartenir à deux univers opposés : couleur vs. peinture noire, matière vs. peinture diluée, bois peint vs. bois brut, ... Pourtant, on peut lire une fi liation de l’élève au maître, la répétition de formes, le jeu des matières et des superpositions. Chez Christoph Bucher comme chez Pia Fries la composition des toiles semble laisser une place au hasard ; s’il existe, il répond à un schéma de composition précis et une structure subtile d’agencements des éléments. Le travail en série est primordial, c’est dans la répétition des formes, la déclinaison des teintes et de légères variations, que l’on saisit un thème, une recherche continue sur la forme, la série se lit comme une partition, une répétition de notes donnant un rythme et une vibration à leur peinture.

FINISSAGE LES GRAPHIQUANTS

2009-01-30T16:59:00.003+01:00

Finissage de l'exposition des GRAPHIQUANTS
Vendredi 30 janvier 2009 à partir de 19h.

Exposition LES GRAPHIQUANTS du 12/12 au 31/01

2008-11-27T19:22:00.003+01:00

LES GRAPHIQUANTS
installations et affiches

Pour clôturer l’année, la galerie Kamchatka présente le travail de trois jeunes graphistes : Maxime Tétard, Romain Rachlin et Cyril Taïeb. Seront présentés 8 installations liées chacune à une affiche en édition limitée.
Exposition du 12.12.08 au 31.01.09.
Vernissage le vendredi 12 décembre à partir de 17h.

Les GRAPHIQUANTS est un collectif de trois graphistes : Maxime Tétard, Romain Rachlin et Cyril Taïeb.
Ils travaillent ensemble depuis les Arts Déco dont ils sont diplômés en 2005. C’est en 2007 qu’ils ouvrent officiellement l’atelier «LES GRAPHIQUANTS» rue de la Fontaine au Roi dans le 11è arrondissement de Paris.
Intervenant principalement dans le domaine culturel, ils ont toujours été liés à la galerie Kamchatka et ont eu des pratiques artistiques variées (photographie, dessin, peinture).
L’exposition montre des travaux récents sous forme d’installations, sculptures, wall-painting et affiches.

Les 8 affiches inédites sont vendues au prix unique de 20 € , idéal pour un cadeau de Noël ou démarrer une petite collection d’oeuvres à tirage limité.

Transition Amère, exposition de Hervé Dez - Mois Européen de la photographie 2008

2008-11-01T16:36:00.007+01:00

Transition Amère, exposition de photographies de Hervé Dez.
Dans le cadre du Mois Européen de la photographie, novembre 2008.
Du 7 novembre au 8 décembre 2008.
Vernissage le samedi 8 novembre, à partir de 17h.

TRANSITION AMERE, AUTREFOIS C'ETAIT UN PAYS.

Par son préfixe latin trans - par delà - la transition marque le passage ou le changement d’un état à un autre. Ce glissement peut être rapide, brutal, exalté. Pour Hervé Dez, il est surtout douloureux et emprunté d’amertume car les passages de l’Histoire ne se font pas sans ressentiment ni rancoeur, et sans doute pire que tout, sans mélancolie. C’est ce qu’il capte au plus juste. Emile Cioran avait perçu ce sentiment d’un temps incertain de lui-même quand il écrit dans les Syllogismes de l’amertume : “Espérer, c’est démentir l’avenir”. Et c’est là toute la force du travail mené par Hervé DEZ depuis de nombreuses années quand il se place sur les points de glissements de l’Histoire, quand il se place là où le temps des hommes est en suspend : Les fanfares rroms à l’hôtel Srbija où l’on perd connaissance, un train qui part ; un café chez le barbier turc du bazar de Skopje, une hésitation ; le père d’Ivo qui retrouve une croix dans sa maison détruite par des miliciens, un temps mort, mais surtout une grande lassitude de toutes ses années à survivre, à haïr, à se souvenir du pays dont on faisait partie, ensemble. Les Yougoslaves qu’Hervé Dez a photographiés de 1996 à 2008 ne sont plus ceux qui ont forcé le destin de cette vieille terre d’Europe en créant un pays nouveau, de nouvelles règles sociales. En disparaissant dans le chaos, le pays imaginaire de Tito a laissé sur place des habitants incertains, des Ex-yougo.
Jean-Luc Cormier
Cette exposition est soutenue par : Processus et le Courrier des Balkans réalisation des tirages : Karoline, Labo Processus.

#001 Group Show

2008-08-27T23:50:00.005+02:00

#001 est une exposition de groupe avec les artistes de la galerie Kamchatka :

Christoph Bucher / Liza Nguyen / Raphaël Denis / Adrien Lécuru / Joan Ayrton / Renata Rizck / Les Graphiquants / Collectif Anonyme / Taka Kagitomi.

du 25/09 au 25/10/08.

Prolongation exposition Attentes > 20/09/08

2008-08-27T23:45:00.002+02:00

L'exposition Attentes d'Adrien Lécuru est prolongée jusqu'au 20 septembre 2008.
Le finissage de l'exposition aura lieu le samedi 20 septembre de 15h à 21h.

ATTENTES - Adrien Lécuru, peintures - du 7 juin au 10 juillet 2008

2008-05-22T20:01:00.004+02:00

Exposition du 7 juin au 10 juillet
Vernissage le 7 juin à partir de 17h

Adrien Lécuru présente sa première exposition personnelle à la galerie Kamchatka.
Jeune artiste peintre, né en 1980, diplômé des Arts Déco en 2005, Adrien Lécuru vit et travaille à Paris.

L’exposition présente la série Attentes (2007-2008), portraits de personnes isolées dans un décor épuré, on reconnaît rapidement le quai d’une station de métro ou de RER, une pièce, une chambre ou un jardin public. Adrien Lécuru saisit un instant de repli sur soi, d’évasion de ses sujets, regard vide, perdu, sourire esquissé, oeil terne. Les personnages s’abandonnent à eux-mêmes, ils ne sont pas là pour le spectateur mais isolés dans un monde intérieur que les quelques détails, leur posture nous permettent de saisir furtivement.
Adrien Lécuru met en avant les corps, mains, visages, yeux, attitudes ; les plis des vêtements, et quelques objets en contact avec le sujet (canette de bière, chaise, coussin, barre de métro, banc, wc). Le fond lui est traîté en nuance de couleur, du bleu-vert au gris sale, collant au plus près du personnage et de son environnement. Pas de détail dans le fond, toute notre attention vers l’humain.
On comprend petit à petit où il veut en venir, la galerie de portraits est la sienne, les modèles ne posent pas, Adrien Lécuru choisit l’instant montré, furtif, l’instant où la pensée s’échappe, s’enfuit ailleurs, un autre espace utopique ou illusoire, chargé d’espoir et de regret.

Ces 10 toiles de format moyens (110 x 80 cm) composent un ensemble de personnages hétéroclites, des inconnus, des amis de l’artiste, et même Vladimir Poutine, planté là où on ne l’attend pas. Aucun lien apparent entre eux, si ce n’est le choix d’Adrien Lécuru et leur état contemplatif, mélancolique.

"Souvenirs of vietnam" de Liza Nguyen

2008-05-09T16:52:00.002+02:00

Lors d'une résidence au Vietnam en 2004, l'artiste française Liza Nguyen a inventorié les traces de la guerre en écho à la commémoration de la fin des guerres françaises et américaines. SOUVENIRS OF VIETNAM présente 2 séries d'oeuvres : Surface et Postcards of Vietnam. Elles ont reçues 2 prix en France (Fnac) et en Suède (Lulea International Biennal).

Catalogue, 48 pages couleur, 23 x 20 cm

Couverture souple, anglais, français, allemand, 19 €

ISBN 978-2-9529194-1-8

Publié en 2008 par Galerie Kamchatka, Paris

Distribution : Schaden.com

Short Circuit - Delphine Reist / Martin Mc Nulty / Taka Kagitomi, installations - du 12 avril au 31 mai 2008

2008-04-01T14:38:00.006+02:00

Exposition collective du 12 avril au 31 mai 2008
Vernissage le samedi 12 avril de 15h à 21h.

À l’entrée de la galerie, un cercle de pots en métal remplis de lait et posés au sol, des tubes transparents et des perceuses nous assaillent par un bruit mécanique et une odeur sucrée, de manière aléatoire les moteurs des perceuses se déclenchent et transvasent le lait d’un pot à l’autre tournant en circuit fermé. FLEUR DE LAIT de Delphine Reist est une machine autonome mêlant la douceur du lait à la froideur du métal brut. Nous sommes pris par l’installation, en attente qu’elle se déclenche, voir le lait se déplacer pour toujours revenir au point de départ, un processus électrique sans fin. Ca y est nous sommes pris dans le circuit.

Aux murs, des dessins de Martin Mc Nulty forment un parcours inaccessible navigant jusqu’au plafond. Ses formes, matrices sur papier de ses oeuvres objets, nous donnent l’illusion du volume, simples papiers de couleur découpés et rehaussés de noir à l’aérographe. Plus loin, une installation (sous verre) nous montre un circuit de bois couvert d’objets créés par l’artiste. Ces deux installations sont des circuits hermétiques, l’un circulant aux murs et au plafond, l’autre mis sous cloche.

La dernière pièce de l’exposition, au sous-sol, comble le désir ludique du spectateur ; Taka Kagitomi crée pour le lieu une variante de « Enlightment Hotel 2006 », trois caisses de bois sont disposés sur un podium en forme de trident, chaque côté accessible par des marches.
Un bruit sourd s’échappe des caisses, sous lesquelles sont étendus des sacs de couchage. Taka Kagitomi nous invite à s’y allonger, comme pour découvrir ce qui se passe sous le capot de l’engin. L’oeuvre interagit avec le visiteur, le spectacle étant aussi bien sous les caisses que dans la vision d’autres corps allongés, de jambes qui dépassent des trois boîtes.

Le circuit se fait chaotique, on tourne autour, on rentre dans l’une puis dans l’autre, se croisant, se gênant, attendant son tour.

ENTRE-NUITS - Joan Ayrton, peintures - du 21 février au 4 avril 2008

2008-02-12T11:55:00.004+01:00

Exposition du 21 février au 4 avril 2008
Vernissage le jeudi 21 février à partir de 18h30

La galerie Kamchatka présente ENTRE-NUITS du 21 février au 4 avril 2008, première exposition personnelle de Joan
Ayrton en ses murs.

« Le paysage subjectif qu’invente le romantisme sape les principes de l’imitation de la nature qui reposait jusque-là sur le visible (…) Le paysage intérieur cristallise l’aspiration paradoxale et apparemment démesurée, à présenter
l’invisible. » *

Le motif de l’horizon est l’expression la plus simple du paysage : air-sur-eau, ciel-sur-mer… Une ligne tendue entre deux couleurs. C’est précisément de cet endroit fragile, ténu, tendu et troublant que naît ou pas la perception d’un paysage. Une enfance vécue au bord d’un grand lac (Léman, Suisse) renforce ce lien à la ligne d’horizon comme motif obsessionnel, paysage structurel, architecture et géographie intime. Le travail consiste dès lors en la recherche ou la provocation constante de cet événement perceptif, principalement sur de grandes toiles fonctionnant en diptyques (200/200 ou 200/230 cm). L’image y apparaît du presque rien, fi ne couche de peinture à l’huile lisse et sans relief rentrée dans la fi bre d’une toile de lin brute. Chaque série de 3 ou 4 diptyques a une température, une heure du jour ou de la nuit, souvent entre les deux. D’un diptyque à l’autre le changement de couleur est léger, parfois imperceptible.
De cet instant déterminé de l’aube ou du crépuscule, la nuit est devenue le sujet d’une autre série. Une proposition s’opposant sur plusieurs points aux précédentes. Par la taille, très réduite (10/12,5cm), par le support, une plaque de métal, par le médium, la laque industrielle.

Il en résulte des paysages en 4 couleurs de nuit : peinture ondulante, volutes, ciels parfois chargés, baroques, créant une sensation d’immensité concentrée sur un tout petit format. Ces plaques laquées brillantes et fragiles, miroirs polis et légèrement irisés évoquent la plaque photographique, réfl échissante, délicate à manipuler, qui peut être vue comme un positif ou un négatif.

Prolongeant ces basculements d’échelles et de supports, une photographie d’une de ces petites laques sera imprimée et affichée (3/8 mètres) durant le temps de l’exposition sur le M.U.R. (Modulable Urbain Réactif), support d’exposition extérieur rue Oberkampf dans le 11ème arrondissement à Paris.

* Julie Ramos, « Un art intérieur et cosmique : la peinture de paysage romantique », in cat. L’invention du sentiment, Aux sources du romantisme RMN / Musée de la Musique, Paris, 2002.

Exposition en partenariat avec le M.U.R. qui affichera une laque de la série Entre-nuits à partir du 25 mars 2008.
L'actualité du M.U.R., içi..

Presse : Les bâillons de la bienséance, portraits d'une basse-cour

2008-01-20T03:35:00.000+01:00

Un article sur l'exposition de Raphaël Denis est publié sur le blog de Lunettes Rouges hébergé par lemonde.fr : ici

"Les bâillons de la bienséance, portraits d'une basse-cour" - Raphaël Denis, photographies - du 10 janvier au 18 février 2008

2008-01-04T20:42:00.001+01:00

Exposition du 10 janvier au 18 février 2008
Vernissage le jeudi 10 janvier à partir de 18h30

LES BAÎLLONS DE LA BIENSÉANCE
ou portraits d’une basse-cour

Ses séries les plus récentes, réalisées à partir de négatifs en verre de portraits du début du XXème siècle, illustrent son désir d’agir sur l’image et reflètent son intérêt envers un medium dont les prétentions étaient d’égaler et de surpasser la peinture, dans un genre vulgarisé, devenu accessible à des bourgeois dont les poses étaient empruntées aux tableaux des musées.

En infligeant, à l’aide d’outils et de substances divers, des modifications à ces représentations d’êtres collectées auprès d’antiquaires, Raphaël Denis met en place un protocole qui lui permet de synthétiser acte pictural et image photographique tout en jouant de la rivalité entre les genres, qu’il fait dialoguer et force à la conciliation. Ses séries « les Aïeux », « à force de ressusciter » et « les poules ont la vie dure » apparaissent comme la suite logique des peintures de « Gare au culte » et de ses prises de vue de « Voir comme un sourd », tant sur le plan
de l’aboutissement formel que du cheminement intellectuel. La matière des murs décrépis qu’il affectionne, les traces du temps, les raideurs de la religion et les dogmes occidentaux sont ainsi des éléments permanents d’un langage dont les modalités de présentation évoluent au fil des séries.
Biffés avec plus ou moins d’acharnement, les négatifs de ces portraits bourgeois fiers et hautains ne livrent plus au tirage que des visages scarifiés, environnés de motifs purulents qui marquent leur décrépitude. Dépouillant l’image initiale de tout élément de décor, Raphaël Denis offre sur le passé un regard neuf, concentré sur une figure livrée brute et dépourvue qui, transformée, a perdu son aspect désuet pour devenir, en dépit de ses meurtrissures – et sans doute grâce à elles – un objet de fascination, ayant la force d’une idole, comme si la puissance des êtres apparaissait avec plus d’évidence une fois leur apparat extérieur – beauté, costume, honorabilité, fauteuil, colonne – évacué.

Fabriquant sa photographie après la prise de vue, Raphaël Denis gratte, macule et fend, faisant traverser différents états au négatif avant l’obtention de l’image définitive, créant tour à tour différentes atmosphères qui enveloppent, voilent ou font ressurgir le modèle ; c’est l’obtention de la juste tension entre atmosphère et figure, entre geste et individu, qui signe l’arrêt du processus.
On peut rapprocher le travail formel de Raphaël Denis de celui de Joel-Peter Witkin, toutefois il ne prend pas pour matière première ses propres images mais utilise des photographies anciennes, recherchant des inconnus, choisis pour leur anonymat dont il récupère les visages et les corps, significatifs de cultes sociétaux et familiaux, pour les
soumettre au spectacle de leurs ratés.

C’est ainsi qu’avec un malin plaisir Raphaël Denis met en place autour des êtres un décor de larmes et de tempêtes, exprimant la douleur et les machiavélismes qui règnent entre les hommes ; tous – enfants, ecclésiastiques, mères de famille, prostituées, veuves, vieillards, juges, militaires et académiciens – sont soumis au même traitement, comme si aucun ne pouvait être innocent, comme si chacun était appelé à payer la présomption de sa culpabilité. La précision et la minutie des incisions dans la gélatine témoignent de la jouissance irrévérencieuse éprouvée à affubler un digne père de famille d’une choucroute ou d’une moustache hitlérienne. Mais à travers le combat mené contre les apparences, à travers l’exaltation nécessairement maîtrisée de l’écorchement, c’est aussi la jouissance de faire voir, de démontrer et de ranimer qui apparaît clairement.

Redonnant vie à ses anonymes, Raphaël Denis leur confère une nouvelle ampleur en montrant leur visage sous un autre aspect, en révélant les faux-semblants et les illusions. Par le biais de coulures, cassures et pourritures, toutes les rigueurs et les raideurs, les décrépitudes du mariage et de toutes les institutions révélent le tumulte permanent qui règne entre les êtres. Mettant à jour leur puissance perverse, il souligne leur caractère perfide et les fait apparaître sous un visage moins insipide. C’est en mettant au premier plan ses convictions, en livrant ce qu’il perçoit sous une image soucieuse d’imiter un modèle, de singer une idéalité, que Raphaël Denis confère de la densité à ses figures. Il grave son empreinte au cœur de l’image, en écrivant des phrases volontairement illisibles qui évoquent des psalmodies ou des échos inaudibles, ou encore en confrontant la figure à des éléments récurrents tels que les croix ou les traits verticaux barrés par une oblique - symboles par excellence du temps subi, du temps carcéral - qui évoquent autant de cicatrices. Son geste, s’il peut sembler purement sadique, retourne avant tout les codes et les convenances avec un humour dont témoignent les titres des photographies, qui apparaissent comme des légendes descriptives tantôt comme des sentences qui enrichissent l’image, suscitant décalages et échos sans jamais oublier de ridiculiser davantage.

Défigurés par le travail de leur image, les êtres ressurgissent comme dévoilés, parés de leur intérieur et munis de leur hypocrisie, criant leurs aspirations et leurs tourments. S’ils peuvent sembler relégués à distance et mis à l’écart, instrumentalisés, ils gagnent également en importance ; la croix qui les barre les rappelle instantanément à la mémoire. En cherchant l’égalité de force entre la matière qui l’entoure et la figure, en poursuivant un équilibre où la tension se fait expressive, Raphaël Denis ranime ainsi les êtres, réactivant leurs forces et leurs pensées. Son apparente cruauté peut alors même se muer en amour respectueux et fasciné.

NOEL AU KAMCHATKA - Exposition collective du 20 au 22 décembre 2007

2007-12-12T18:32:00.000+01:00

Kamchatka vous souhaite une très bonne année 2008 et vous invite à un brunch autour de l'exposition, avec les artistes, le 5 janvier 2008 à partir de 15h.

Les artistes :
David Andrade / Joan Ayrton / Dominique Baillot / Raphaël Denis / Alain Frentzel / Martin Gautron / Les Graphiquants / Aurélia Jaubert / Evangelia Kranioti / Carl Krull / Adrien Lécuru / Gabriel Léger / Martin Mc Nulty / Edgardo Montes de Oca / Liza Nguyen / Renata Rizck / Alexandra Roussopoulos / Régis Sénèque / Benjamin Swaim / Romain Taïeb / Rémy Lubin / Nobu.

LE LANGAGE DES OBJETS : «LE NAUFRAGE» DE LIZA NGUYEN

2007-12-12T18:28:00.000+01:00

LE LANGAGE DES OBJETS : «LE NAUFRAGE» DE LIZA NGUYEN
De Christoph Ribbat
traduction : Gaëtan Loppion, Nazira Taïrova

Rouge pour les maçons, vert pour les plombiers, bleu-gris pour les électriciens. Cela pourrait être juste une série sur un départ plein d’espoir. Les portraits de Liza Nguyen montrent de jeunes migrants en habit de travail, des Africains, installés ici à Ténériffe, leur nouveau pays. Les autorités locales assignent ces habits de couleur aux adolescents. Elles ont élaboré des projets pour eux, elles les ont logés et leur ont offert une formation professionnelle. Les jeunes hommes se tiennent devant une porte en fer, qui au premier regard nous fait penser à une prison puis au bout de quelques instants de réflexion à une remise à outils. Subtilement, la photographe révèle les gestes et les expressions du visage : la main relâchée ou crispée, un sourire de circonstance, un regard défensif. Ceux qui sont habituellement rangés dans des catégories redeviennent ainsi des êtres humains avec leur individualité. Liza Nguyen les photographie à l’aube de leur nouvelle vie. Bienvenue en Europe.

Pourtant aujourd’hui en 2007, la ville de Los Cristianos, Ténériffe, ne s’autorise pas d’être sentimentale. Ces portraits font le coeur de l’installation « The Shipwreck / Le Naufrage », inspirée à Liza Nguyen par cette ville côtière où les bâteaux de réfugiés arrivent inlassablement des côtes africaines. Ici, à Los Cristianos les autorités enregistrent régulièrement les décès de ceux qui n’ont pas survécu à la traversée. Ici, la police met rigoureusement en place un dispositif de déportation des survivants ( les jeunes hommes photographiés par Liza Nguyen sont autorisés seulement car ils sont mineurs). Mais Los Cristianos n’est pas uniquement le point de chute d’un exode désespéré vers une Europe supposée paradisiaque. C’est aussi la destination des touristes fuyant vers le paradis des îles Canaries. Les hôtels offrent buffets et petits déjeuners splendides, piscines luxueuses et plages dorées. Les touristes sont venus pour le soleil de l’Afrique, pas pour sa misère. Les gardes-côtes espagnols repoussent les opérations de sauvetage à la tombée de la nuit afin que les européens ne soient pas témoins de ces tragédies. Mais aussi Los Cristianos, et c’est évident, est le cadre choisi par de nombreux média pour mettre en scène et dramatiser l’arrivée de bateaux bondés sur le sable européen.

Cette plage est l’interface entre le monde occidental, le Tiers Monde, les média, les migrants, la police et les politiques. Rien n’est simple à Los Cristianos, et selon Liza Nguyen, un simple reportage ne peut mesurer le phénomène. La photographe propose un autre langage pour décrire l’endroit : celui des objets. Après tout, c’est le manque de biens d’un côté qui conduit à l’immigration et leur surabondance de l’autre qui rend possible le tourisme de masse. En se référant aux produits de consommation et à leur accessibilité, on peut expliquer la pauvreté et le luxe.

En s’appropriant les objets circulant sur place, Liza Nguyen crée un labyrinthe d’objets, confus et mouvant. Ils apparaissent seuls, sur un fond blanc, illuminés dans des boîtes et hyper-présents comme les produits des publicités. L’arrangement des boîtes lumineuses reflète la composition du « Radeau de la Méduse » de Géricault. Malgré son ironie et sa froideur, « The Shipwreck », comme le tableau de Géricault, se veut une exploration de la douleur humaine.

Liza Nguyen choisit l’esthétique la plus simple pour l’effet le plus dur. Elle nous montre la répartition fonctionnelle des objets de Ténériffe et relativise ainsi le regard plein d’espoir des futurs électriciens, maçons et plombiers. Bienvenue en Europe. Voici les vêtements que la police espagnole retire directement aux réfugiés africains, pièce par pièce, tout finit aux ordures. Ici les lunettes de sécurité, les gants en caoutchouc, et les menottes des policiers effectuant leur travail. Ici les vêtements neufs pour ceux qui vont être rapatriés. Le savon, le dentifrice, la brosse à dents, le peigne donnés par la Croix Rouge. Il y a aussi un petit bikini, une casquette avec un palmier, un set de rackets de plage pour que les touristes puissent s’amuser. Ici, immaculé et bien plié, un sac pour masquer et déplacer les cadavres. Point final, le langage des objets nous rend muet.

DISPLACED - Liza Nguyen, photographies - du 7 novembre au 19 décembre 2007

2007-10-23T17:08:00.000+02:00

Exposition du 7 novembre au 19 décembre 2007
Vernissage le vendredi 9 novembre à partir de 18h30

“THE SHIPWRECK /LE NAUFRAGE”, 2007
Installation caissons lumineux et portraits
illustration au verso, format vertical

“TEMPORARY”, Nouvelle série

“SOUVENIRS OF VIETNAM” 2005
Pré-vente du livre avec une édition
spéciale limitée

Carl Krull video

2007-10-03T18:39:00.000+02:00

Carl Krull, œuvres récentes sur papier - 19/09 > 27/10

2007-09-11T19:02:00.000+02:00

Carl Krull présente sa première exposition personnelle à la galerie Kamchatka du 19 septembre au 27 octobre.

Carl Krull dessine depuis toujours. De manière obsessionnelle, il trace des corps, des éléments architecturaux comme une représentation de connexions mentales et physiques. Les lignes abruptes et rudes de ses œuvres sur papier nous font pénétrer à l’intérieur même du cortex cérébral de ses personnages ; l’attitude de ses corps noueux, les rictus, quelques rares éléments : crâne, aiguille, escalier, … sont autant de pistes vers les états d’âme duaux des personnages : souffrance, bien être, joie, peine, recueillement et fureur.

Les œuvres présentées ici, peinture et dessin sur papier ont été réalisées vite, dans un souffle et au sol, de manière instinctive. Carl Krull se laisse porter par sa main, qui trace des lignes familières, toujours des corps, nus et repliés.

Un ou deux personnages sont présents sur chaque œuvre, le spectateur est témoin d’un acte muet, interaction entre deux corps, introspection, réflexion…
Une œuvre nous montre un homme accroupi venant tout juste de planter une aiguille à l’intersection du pouce et de l’index, il s’agit ici d’acupuncture, éxécutée sur son propre corps, hésitation entre un sentiment de souffrance, mutilation du corps, et médecine douce, équilibre entre énergie et matière.

L’œuvre de Carl Krull repose sur une hésitation, entre douleur et soulagement, à la recherche d’un équilibre…

Car Krull est né en 1975 à Aeroeskoebing (Danemark). Il étudie le dessin et l’animation à la Jan Matejko Academy of Fine Arts, à Cracovie (Pologne) puis à la San Carlos Academy of Fine Arts à Mexico (Mexique).
Carl Krull est représenté par la galerie Kamchatka à Paris et la V1gallery à Copenhague.
Ses œuvres seront montrées à Preview Berlin 07 du 28/09 au 1/10/07.Carl Krull est actuellement en résidence au Art Studio Itsukaichi à Tokyo (Japon).

VERNISSAGE JEUDI 20/09 > 18H

2007-09-11T18:53:00.000+02:00

2007-09-04T10:37:00.000+02:00

La galerie Kamchatka présente

les oeuvres récentes sur papier de CARL KRULL

du 19 septembre au 27 octobre 2007.

Jeudi 20 Septembre > vernissage de l'exposition

à partir de 18h

-------------------------------------------------------------------------------------------

Pour plus de renseignements, contactez la galerie au 01 42 71 22 59 ou par e-mail : info@kamchatka.fr / www.kamchatka.fr
L'actualité de la galerie : http://kamchatka-artblog.blogspot.com/ & http://www.myspace.com/kamchatka_gallery
M° : St Paul / Bastille / Sully Morland.
Du Mardi au Samedi : 14h - 19h30 et sur rendez-vous.

Programme sept 2007 / juin 2008

2007-08-16T17:22:00.000+02:00

10/07 > Carl Krull / peinture, dessin / exposition personelle, (site)

11/07 > Liza Nguyen / photographie / exposition personnelle, (site)

01/08 > Raphaël Denis / photographie / exposition personnelle, (site)

02/08 > Joan Ayrton / peinture / exposition personnelle,

04/08 > Martin Mc Nulty, Delphine Reist,Taka Kagitomi, Tomsen Woll / installations / exposition collective,

06/08 > Adrien Lécuru / peinture / exposition personnelle.

Exposition L'eau et les rêves - 3 mai > 30 juin

2007-04-17T16:52:00.000+02:00

Artistes : Pat Andréa / Andrélis-Rye / Joan Ayrton / Eric Bauer / Lucile Bertrand / Cathryn Boch / Nicole Bovard / Jean-Pierre Brazs / Mark Brusse / Lizzie Calligas / Roland Cat / Lucien Clergue / Vicky Colombet / Anne d'Espinose / Martine Franck / Alain Frentzel / Gérard Fromanger / Misha Garrigue / PA Gillet / Medi Holtrop / Aurélia Jaubert / Christine Jean / Johan Barthold Jongkind / Marie-Christine Katz / Marion Lachaise / Lise Le Coeur / Benjamin Lévesque / Sylvia Lidberg / Sinead Lucey / Lea Lund / Sylvie Marcombe / Dominique Margot / Laure Marsac / Martin Mc Nulty / Maro Michalakakos / Francine Millo / Sabine Monirys / Edgardo Montes de Oca / Liza Nguyen / Olivier O. Olivier / Frédéric Pajak / Patrice Pantin / Leda Papaconstantinou / Gisèle Prassinos / Mario Prassinos / Edouard Prulhière / Delphine Reist / Renata Rizck / Alexandra Roussopoulos / Cristina Ruiz Guiñazu / Anne-Laure Sacriste / Julie Safirstein / Christelle Sauzet / Pavel Schmidt / Benjamin Swaim / Régis Sénèque / Jean de Seynes / Romain Taieb / Pierrede Vallombreuse / Kate van Houten / Frank Verdier / Catherine Viollet / Deidi von Schaewen / Jan Voss / Nobuko Watanabe.

À l'écoute de l'eau et de ses mystères, Gaston Bachelard, dans son essai sur l'imagination de la matière, nous entraîne dans une méditation sur la substance de l'eau. Les eaux claires, brillantes, les eaux amoureuses, métaphores de fraîcheur et de jeunesse où naissent des images furtives. L'eau est une matière qu'on voit naître et croître, elle murmure, nous parle et suscite des rêveries sans fin, des images chargées d'une matière onirique, riche et fertile. Nous nous reconnaissons dans le miroir des eaux, nous plongeons dans une intime contemplation où reflets et réalité peuvent s'unir et se confondre.L'eau, élément maternel, l'un des plus grands, des plus constants symboles de vie : la mer nous berce, l'eau nous désaltère, nourrit notre âme et notre corps. L'eau féminine, prodigieuse douceur, désir d'une substance chaude, enveloppante, cette matière qui entoure l'être entier et le pénètre intimement. Les eaux profondes, les eaux dormantes et les eaux mortes où gisent mythes et fantasmes. Contempler l'eau, c'est s'écouler, se dissoudre. L'eau devient l'élément mélancolique par excellence et, pour certaines âmes, la matière obscure du désespoir, la disparition sous les eaux, une mort en profondeur. Mais l'eau est aussi lustrale, moyen de purification, elle devient alors une substance du bien, une force féconde, rénovatrice. L'art s'instruit sur des reflets, il est aussi une traversée. L'eau, cette vaste unité, nous invite à un voyage intérieur et à la création.

Alexandra Roussopoulos (commissaire d'exposition).

Programme :

>Jeudi 10 mai à 19h : Carte blanche à Lea Lund (artiste plasticienne) et Frédéric Pajak (écrivain et dessinateur)

>Vendredi 18 mai à 19h : Happening proposé par Raphaël Denis, Charles Pépiot, Martin Gautron, Adrien Lécuru, Gabriel Léger, Dominique Baillot (artistes plasticiens)

>Vendredi 1er juin à 19h : Lecture proposée par Alain Jaubert (écrivain et réalisateur)

>Vendredi 8 juin à 19h : Carte blanche à Marie et Aldo Cornette-Pajarin (galeristes)

>Vendredi 15 juin à 19h : Carte blanche à Laure Marsac (réalisatrice et comédienne)

>Vendredi 22 juin à 19h : Archipel(s) de Evangelia Kranioti (artiste plasticienne)

>Jeudi 28 juin à 19h : Carte blanche à Coralie Seyrig (comédienne) et Yvan Gieysse (urbaniste)

>Samedi 30 Juin à 18h : Soirée de clôture de l'exposition :

> à 18h : Histoires d'eau contées par Nathalie Perrin et Catherine Abraham

> à 19h, 19h45 et 20h30 : trois brèves interventions musicales d'Alain Kremski (compositeur et interprète)(bols rituels bouddhiques, Japon - Chine)

lien L'eau et les rêves

photos : Laurence Reboh

Rencontre AKT - ALBUMINES - vendredi 23 mars 07

2007-03-20T18:39:00.000+01:00

Exposition Albumines d'Aurélia Jaubert du 8 février au 31 mars 2007

2007-01-22T21:03:00.000+01:00

Pour ses grands tirages photographiques, Aurélia Jaubert fabrique ou sélectionne des objets, des formes minuscules ou microscopiques, les distord, les agrandit pour troubler notre perception. Certains sont présentés bruts, anormalement grands, étrangeté révélée ; d’autres sont peints, déformés, recréés pour en changer l’identité.

La galerie Kamchatka présente du 8 février au 31 mars 2007, la série Albumines d’Aurélia Jaubert.

Prises de vues énigmatiques de formes peintes, colorées, les photographies d’Aurélia Jaubert, en sont elles ?

L’albumine est une protéine soluble dans l’eau, présente dans le lait, l’œuf et de nombreux fluides biologiques. Aurélia Jaubert utilise le blanc d’œuf, cuit dans l’eau, pour créer des formes aléatoires, ces formes fragiles, périssables sont détournées, par la peinture sur l’objet puis par la prise de vue et l’agrandissement.
La série « Albumines », photographies de grand format, sublime ces formes, révèle leur côté charnel et dérangeant pour nous orienter, nous détourner du sujet originel, et nous interroger sur ces créatures molles et flasques.
Ectoplasmes ou mutations biologiques, ces objets fragiles à l’échelle surdimensionnée dérangent aussi bien qu’elles rassurent, multicolores, douces, maternelles et rondes.

Aurélia Jaubert présente simultanément un autre travail « Rebuts 3 » dans le Cube, espace d’exposition de la mairie du 9ème arrondissement. Chutes, éléments récupérés, ses rebuts d’atelier sont également modifiés, triturés pour redonner une nouvelle version de ses travaux passés.

Vernissage le jeudi 8 février 2007 à partir de 18h30.

Galerie Kamchatka

23, rue Charles V - 75004 Paris

contact@kamchatka.fr

kamchatka sur myspace

2007-01-11T12:52:00.000+01:00

Voici le lien vers la page myspace de la galerie kamchatka :
http://www.myspace.com/kamchatka_gallery

Exposition "l'Arbre Penché" du 8 décembre au 15 janvier 2007

2006-12-13T19:04:00.000+01:00

Kamchatka et Virgule Communication
présentent l'exposition "l'Arbre Penché" de Régis Crozat
8/12/06 > 15/01/07

Créée ex-nihilo, d'un pauvre arbre penché dans la montagne, la forme se mue tour à tour en bête de course, en ectoplasme pervers dévoré par des fleurs, en acteur de roman photo ou en chroniqueur voyageur dans l'espace contemporain.

PLATTFORM

2006-11-25T13:13:00.000+01:00

Les membres du collectif : Julia Kernbach / Liza Nguyen / David Andrade / Cécile Cuny / Martin Denker / Karina Dias / Elodie Pellissier / Nicola Roman Walbeck.

Julia Kernbach
Julia Kernbach a étudié de 1999 à 2006 à la Kunstakademie de Düsseldorf avec Thomas Ruff. Elle a achevé ses études avec la distinction “ Meisterschüler ” ( Major de promotion ). Son travail traite des structures dans l’architecture et la nature. Elle tire ses structures naturelles de la forêt. Elle compose une image numérique à partir de la superposition de deux images, les travaille de façon à produire une image vraisemblable, et en confondant les structures des deux forêts produit l’image d’une forêt plus dense, dans laquelle les structures des deux images changent et se complètent.

Liza Nguyen
Liza Nguyen, née en 1979 à Paris, possède un master de photographie de l’Ecole Louis Lumière et un master d’arts plastiques de l’Université de La Sorbonne. Depuis 2004, elle étudie à la Kunstakademie de Düsseldorf avec Thomas Ruff. Son travail traite des questions de la mémoire et de sa représentation dans une démarche mêlant esthétique et éthique. Son livre “ My father ” publié chez Schaden.com et son travail “ Souvenirs du Vietnam” ont reçu plusieurs prix en Europe.

David Andrade
David Andrade est photographe et graphiste. Né en 1980, il est diplômé de l’École Nationale Supérieure des Arts Décoratifs de Paris. À travers son travail photographique, il questionne la notion de territoire, de son appartenance ou non à celui-ci, de la distance ; se déchargeant du souci de vérité documentaire, il puise davantage des villes ou des paysages les narrations graphiques qu’il réarticule pour composer son image, toujours à la recherche de ses “chimères du territoire ”. Dans sa série “ Un pas à franchir ” il appuie ses images d’un poème qui installe l’auteur dans la série comme interlocuteur , mettant en face à face le territoire et l’identité, le lieu et l’individu.

Cécile Cuny
Cécile Cuny est photographe et chercheuse en sciences sociales. Diplômée de l’Ecole Nationale Supérieure Louis-Lumière et titulaire du DEA de sciences sociales de l’Ecole Normale Supérieure et de l’Ecole des Hautes Etudes en Sciences Sociales, elle réalise actuellement une thèse de sciences sociales à Berlin dans le cadre d’une cotutelle entre l’Université Humboldt et l’Université de Paris 8. Son travail explore les liens entre photographie et sciences sociales : elle utilise la photographie dans le cadre d’enquêtes de terrain et s’intéresse aux identités sociales et territoriales. Son travail “ La Réunion, 75020 > représentant les transformations sociales d’un quartier populaire de Paris a fait l’objet d’une acquisition par le Musée Carnavalet et de plusieurs expositions en France.

Martin Denker
Martin Denker est né en 1976 à Hambourg. Il a d’abord étudié la peinture puis la photographie aux Etats-Unis et à la Kunstakademie de Düsseldorf avec Thomas Ruff. Depuis 2002, il travaille en tant qu’assistant avec Andreas Gursky. Son travail consiste en des collages numériques de multiples images défragmentées, par lesquels il cherche à produire de nouveaux assemblages qui mettent la vision et la perception de la vérité dans notre monde d’images en question.

Karina Dias
Plasticienne brésilienne, originaire de Brasilia. Actuellement résidente à Paris pour y réaliser un doctorat en Arts Plastiques à Paris 1 - Sorbonne. Ayant pour sujet de recherche la notion du paysage quotidien, sa pratique englobe des interventions sur le paysage, in situ, ainsi que des installations vidéo, in visu.

Elodie Pélissier
Elodie Pélissier est née en 1980 à Paris où elle a suivi des études en communication et gestion des institutions culturelles. La série “ Holidays...In august... ” est le fruit d’un travail effectué dans un premier temps au Vietnam en août 2004 - au cours d’une mission professionnelle d’une durée de six mois à Hanoi - complété de photos réalisées à l’occasion d’un séjour en Allemagne un an plus tard.

Nicola Roman Walbeck
Nicola Roman Walbeck est photographe. Il est né en Suisse et travaille en tant que photographe indépendant à Düsseldorf où il a fait des études de communication et de design. Dans son travail, il s’intéresse aux représentations de l’architecture, de l’espace et à la façon dont ils sont perçus, ressentis et utilisés. Il a réalisé plusieurs expositions personnelles dans des galeries et des musées allemands.

2006-11-22T16:58:00.000+01:00

Plattform exhibition gallery kamchatka

Visite de l'exposition Plattform

Plattform PARIS - DÜSSELDORF

2006-11-03T14:30:00.000+01:00

Vernissage exposition "Paris - Dusseldorf" du collectif Plattform

2006-11-01T02:41:00.000+01:00

04/11 // 01/12 2006
--------------------------
Galerie Kamchatka & Institut Français Düsseldorf présentent :
Plattform - artists group - du 4 novembre au 1er décembre 2006 dans le cadre du "Mois de la photo Off".

- Vernissage le samedi 4 novembre 2006 à partir de 18h30 -

Deux expositions ont lieu en même temps à Paris et Düsseldorf, villes de résidence des membres du groupe Plattform. Sont présentés des paysages intérieurs, comme autant de chemins physiques et mentaux entre deux villes, entre un ici et un ailleurs. Plattform est un collectif d’artistes pluridisciplinaires et européens qui soutient l’emergence de nouveaux talents avec une attention particulière pour la photographie.

Zwei Ausstellungen werden anlässlich des <> parallel in Paris und in Düsseldorf, den Wirkungsorten der Mitglieder der Gruppe Plattform gezeigt. Präsentation von Landschaften, die wie Wege zwischen den beiden Städten sind, zwischen einem hier und einem dort. Plattform ist ein Kollektiv pluridisziplinärer und europäischer Künstler, das den Aufstieg neuer Talente insbesondere im Bereich der Photographie fördert.

Le collectif Plattform :
David Andrade / Cécile Cuny / Julia Kernbach / Liza N'Guyen / Elodie Pélissier / Nicola Roman Walbeck / Karina Dias / Martin Denker / Daniel Fritschi

http://www.e-plattform.com/

Soirée Google : Art - Acte 1bis - vendredi 20 octobre 2006

2006-10-14T14:30:00.000+02:00

La galerie Kamchatka présentera l'édition : "Images sorties de nulle part..." autour de l'exposition " Google : Art".

Vendredi 20 octobre à partir de 19h.

Retrouvez plus d'informations sur l'exposition : [1] et consultez l'édition "Images sorties de nulle part" [2]

Galerie Kamchatka
23, rue Charles V
75004 Paris

Installation Google : Art

2006-10-11T12:42:00.000+02:00

Exposition "google : art" du 2 octobre au 1er novembre 2006

2006-10-02T06:17:00.000+02:00

Vernissage le vendredi 6 octobre à partir de 18h.

Artistes : "Un Collectif Anonyme" [Raphaël Denis, Adrien Lécuru, Gabriel Léger, Martin Gautron, Charles Pépiot]

Commissaire d'exposition : Gaëtan Loppion.

« Moteur de recherche » d’information, de la vérité?…

Accumulation de petites définitions non didactiques, illustratives, descriptives, antinomiques et inexactes. La somme des réponses impose-t-elle la vérité d’une notion, d’un mot ou d’un concept ?
La question centrale de l’art tourne autour de son renouvellement / essoufflement.
Comment rendre l’art dynamique, large et populaire / médiatique. Existe t il une définition de l’art contemporain ?
Pour y répondre insidieusement, facilement sans pouvoir se tromper, un collectif anonyme a choisi d’utiliser l'outil google, moteur de recherche ultra-rapide (ART : recherche de 0,00008 secondes, donnant une réponse totale presque infinie : 8.35 millions de propositions).
Internet bouleverse la société et notre vie quotidienne, il est aujourd’hui primordial, on ne peut plus imaginer vivre sans… Internet et ses réseaux tendent à englober les échanges sous toutes les formes : communication, échanges monétaires, de biens, de services, etc…

L’objet de l’installation Google : art est de confronter Internet [en posant le paradigme suivant : nous considérons son propos comme acquis et donc vrai] à un support final plus ancien, presque désuet et de mauvaise réputation : le papier, papier peint.
Les 5 membres de un collectif anonyme ambitionnent de cerner « la vérité Internet » [vérité exhaustive,
efficace, rapide] pour la replacer dans un contexte classique : l’oeuvre au mur.
Totale, recouvrant l’espace de la galerie, l’installation définit un champ sans limite.
Non plus une fenêtre mais un monde non fini dont on ne peut pas appréhender l’ensemble mais apercevoir, entrevoir, déchiffrer des parcelles de propositions.

C’est une réponse totale et globale au mot ART, et celle ci est sciemment inadaptée de part sa multiplicité, son incohérence et ses contradictions.

La somme des vérités individuelles proposée par le moteur de recherche Google est égale à une vérité collective, sa rapidité d’exécution étant une preuve supplémentaire de son efficacité. Chaque réponse individuée étant justifiée par sa présence au sein de l’ensemble, de la communauté.

Exposition : Renata Rizck - vernissage jeudi 18 mai

2006-05-15T21:23:00.000+02:00

La galerie Kamchatka présente du 18 mai au 12 juillet 2006 les peintures récentes de Renata Rizck, jeune artiste brésilienne vivant et travaillant à Paris.La peinture de Renata Rizck est un exercice de synthèse et de simplicité. Renata construit l'image avec peu de superposition de peinture, c'est en enlevant de la matière que le fond de la toile se transforme en lumière et dessine la forme.Les peintures présentées sont une sélection de ses derniers travaux. Certains fonctionnent comme des fragments autonomes puisant aux sources de la nature sur lesquels l'artiste pose un regard frontal. D'autres présentent un univers hybride composé d'assemblages imaginaires auxquels chacun peut donner une lecture personnelle.Les formats des oeuvres sont variables et dépendent de l'enchaînement des compositions. Renata travaille plusieurs toiles simultanément et petit à petit une image peinte en appelle une autre, c'est dans cet engrenage, pendant cette durée, que se constitue l'ensemble, fait de ruptures, de temps asynchrones et d'interconnexions.L'ensemble devient un puzzle irréel où chaque pièce est la représentation d'un instant dans lequel les phénomènes naturels sont dilatés et redonnés à voir au spectateur.

Diffusion de l'intervention de Renata Rizck dans l'emission "Double Culture" le vendredi 19 mai à 22h15 sur France Culture

Galerie Kamchatka

23, rue Charles V 75004 Paris
Métro: Bastille, St Paul et Sully-Morland
Tél. : 01 42 71 22 59

Prochaine exposition : Renata Rizck du 18 mai au 12 juillet

2006-04-20T17:57:00.000+02:00

Rencontre AKT / projection vidéos et films d'animation

2006-03-18T14:49:00.000+01:00

communiqué A LA TRACE

2006-02-25T19:59:00.000+01:00

À LA TRACE
EXPOSITION DE DESSINS ORIGINAUX À LA GALERIE KAMCHATKA

La galerie Kamchatka présente du 24 février au 30 avril 2006, une exposition collective de dessins : «À la trace».
À travers les oeuvres de 9 artistes, nous voulons partager notre regard sur le dessin contemporain, un prisme dans lequel la réalité, notre société se révèle. À disposition de chacun, une feuille, un papier récupéré, un crayon de bois, un stylo, toute autre forme permettant de représenter sa pensée, sa psyché.
Représentation de l’inconscient, d’un univers personnel plus que revendication, le dessin que nous présentons ne prend pas fait et cause, n’accuse pas mais propose une version sur une problématique qui lui est propre.
Le dessin est le médium le plus direct du cerveau à la main de l’artiste, coucher rapidement l’image dans sa tête sur cette feuille, pour ne pas la laisser s’échapper, peut être pour la réutiliser ensuite ou la donner à voir telle quelle, simplement.
Il nous est donné de voir leurs mondes, sans apprêt ni mise en scène, la main devient l’outil de l’âme ; le dessin, l’image d’une pensée : Le rythme, les séquences pour Alexandra Roussopoulos, la corrosion pour Charles Pépiot, le corps pour Carl Krull, le nouvel éden pour
Randall Yarbrough, un passé pour Raphaël Denis, sa Russie pour Gabriel Léger, la découverte de l’inconscient pour Dominique Baillot, l’organisme urbain pour Erik Sigerud, une mémoire quotidienne pour Adrien Lécuru.
Les techniques et les origines sont différentes, ce qui les relie est justement le regard du spectateur. Ces unicités confrontées s’interrogent, se répondent, se lient aux yeux du visiteur et créent pour lui nouvelle histoire personnelle ou collective.
L’exposition propose un chemin à suivre à la trace, un jeu de pistes où flâner, se perdre, trébucher à travers des oeuvres diverses et hétérogènes qui pourtant se complètent et se répondent simplement.

« On dessine pour se trouver et on rencontre les autres » Louis Pons.

Gaëtan Loppion, commissaire d’exposition.

A LA TRACE Vernissage le jeudi 23 février à partir de 19h

2006-02-17T00:09:00.000+01:00

Exposition A LA TRACE

2006-02-03T11:01:00.000+01:00

La galerie Kamchatka présente du 24 février au 30 avril 2006, l'exposition collective
A LA TRACE.

A travers cette exposition nous présenterons des oeuvres d'Alexandra Roussopoulos, Carl Krull, Erik Sigerud, Raphaël Denis, Gabriel Léger, Adrien Lécuru, Charles Pépiot, Dominique Baillot et Randall Yarbrough.

Nous vous convions au vernissage le JEUDI 24 FEVRIER à partir de 19h.

Samedi 17 décembre : rencontre avec Marc Héliès

2005-12-14T21:02:00.000+01:00

La galerie Kamchatka vous convie samedi 17 décembre à une rencontre avec le peintre Marc Héliès autour de son exposition : EN PLEINE FIGURE...

Samedi 17 décembre de 14h à 19h.

EN PLEINE FIGURE... - Exposition des peintures de Marc Héliès du 8 décembre au 31 janvier 2006.

2005-12-06T19:57:00.000+01:00

Marc Héliès : Affichiste-Démiurge

« ...And the posters scream
safe revolt
& the tired walls barely
fall, graffiti into
dry cement sand… »
Jim Morrison.

Avez-vous déjà aperçu des colleurs d’affiches qui procèdent aux larges découpes d’affiches des stations de métro : superposées, lacérées, détestées, proprement sales, déchirées, couvertes de graffitis. Le sort de ces papiers qui au départ servaient au viol psychique des foules par la propagande commerciale ne nous regarde point, on ne veut même plus remarquer ces montagnes de rouleaux loqueteux, pliés à la hâte, jetés dehors.
Bien sûr, nous les urbains harcelés et las de ce « lettrisme publicitaire » on n’y voit que des amas d’ordures destinés à la surconsommation, surpollution. On n’invente plus de nouvelle vie qui pourrait donner de l’âme et du sens à ces déchets si particuliers sauf le recyclage et la recréation continuelle de publicité, pourtant il existe encore des créateurs de vie altière. Tel m’est apparu Marc Héliès.
Inspiré de la tradition des affichistes des années cinquante comme Hains, Villeglé ou Dufrêne, cet artiste qui n’a jamais réussi à peindre sur du blanc récupère ces papiers hachés aux diverses épaisseurs où s’entremêlent des figures, des lettres, des couleurs, des objets, des graffitis, des empreintes de murs fatigués. Marc Héliès est un peintre qui aime le vécu de ces affiches devenues « inutiles », son oeuvre picturale et graphique leur donne un deuxième souffle en refusant tout cliché : sa gestuelle est tellement expressive qu’elle devient dionysiaque, la dynamique des jets de couleur voyante et violente s’unit en un contrepoint linéaire noir presque calligraphique représentant toujours le visage d’un démiurge égaré aux multiples facettes - vient-elle de sa passion pour les masques de la Commedia del Arte ? -, dimension iconique de ses tableaux toujours entourés d’une bande de couleur blanche comme une auréole et tout cela se mêle à la mue incessante et kaléidoscopique de lettres et chiffres manuscrits comme chez Basquiat ou exécutés en tampons d’imprimeur comme chez Arman, des citations où la peinture touche le pôle de l’Underground (il arrive de voir sur des couleurs psychédéliques des strophes de poèmes de musiciens rock et si on regarde plus profondément on entrevoit les hiéroglyphes codés des graffiteurs tant persécutés dans les réseaux souterrains), des mots comme des grains d’humanisme, comme l’espoir exprimé par ce visage du démiurge : une bande noire surgissant comme un serpent accompagnant une autre personnification de Dionysos : Sabasios, ce démiurge noir « renfermant l’impossible vivant, son champ mental est le siège de tous les inattendus, de tous les paroxysmes ».
Une synergie absolue entre le travail spontané, expressif et une longue réflexion, une peinture à la matière épaisse, impulsive, imprégnée de lyrisme et d’appel à l écoute de ce visage prophétique qui n’ impose rien mais qui s’offre à celui qui le regarde…

« Comme le monde était beau quand il n’avait que la largeur du visage… » René Char.

Nazira Taïrova

Vernissage de l'exposition EN PLEINE FIGURE... le jeudi 8 décembre

2005-12-06T19:44:00.000+01:00

Photos Vernissage FLIP du 24.11.05

2005-12-01T18:42:00.000+01:00

MATE - Exposition du 24 novembre au 6 décembre 2005

2005-12-01T18:21:00.000+01:00

Felipe Yung, plus connu sous le nom de FLIP, est né en 1978 à São Paulo. Fidèle à sa ville natale, il y fait ses premiers pas d’artiste. Les dessins griffonnés dans des cahiers trouvent ensuite leur place sur le béton, le plâtre et l’albâtre : murs, viaducs, bâtiments publics et privés… En parallèle à un enseignement classique à la faculté d’art de São Paulo, FLIP s’est formé sur le mobilier urbain, son premier support. Tout devient ainsi moyen matériel de son expression artistique. Les créations de FLIP et son environnement forment un tout. Elles rendent compte du bruit, du mouvement aux structures instables des métropoles brésiliennes. Dans ce contexte, des personnages apparaissent, comme s’ils s’étaient extraits d’une bande dessinée ou d’un jeu vidéo, pour s’imposer au sein des contrain tes architecturales de la cité. Ses infl uences sont le fruit d’un métissage équilibré. Aux créations d’artistes de rue brésiliens et étrangers, tels que Doze Green et Herbert, il a conjugué des inspirations tirées des travaux de Basquiat mais également de Dali, Klimt et Bosch. Les techniques calligraphiques (Shodo) et de gravure japonaise (Ukiyo-e) sont également présentes dans son oeuvre. Ses créations ont attiré l’attention d’un public éclectique et son activité s’est intensi fi ée avec le nombre croissant des sollicitations. De la mise en scène, aux expositions individuelles, en passant par la réalisation de ligne de vêtements, FLIP démontre qu’il n’est pas prisonnier d’une « religion artistique ». Quand bien même son art demeure profondément marqué de l’empreinte de ce que certains appelleront le Street Art, ses techniques et sa philosophie. FLIP bénéfi cie d’ores et déjà d’une grande notoriété dans son pays d’origine, il a notamment travaillé pour des magasines comme VOGUE et TRIP ainsi que pour de nombreuses marques telles que Disney, SONY, MTV,Volkswagen et TRAMA. FLIP accompagne également le chanteur Marcelo D2 dans la plupart de ses concert et de nombreux vidéo-clips. Dans ce cadre, il vient de signer une collection pour Manifesto 33, la marque du chanteur. Sa dernière exposition personnelle, entièrement fi nancée par l’opérateur téléphonique CLARO 1, vient de s’achever. Elle a eu lieu dans les locaux d’Ampagalaxy (Sao Paulo), fondé pour recevoir toutes formes de création (arts plastiques, musique, mode...), pour peu qu’elles répondent à quelques exigences : créativité et talent. «FLIPINK» s’est déroulée dans un espace composé d’un escalier et d’un roof, une sorte de reconstitution du paysage urbain, démonstration de l’inspiration qu’il peut susciter. La cage d’escalier, habillée des peintures et des créations de FLIP, s’élevait comme une invitation à poser un autre regard sur la ville, à se l’approprier et lui donner le visage qu’on lui a toujours souhaité. Et sur le toit, enfin, l’on pouvait y découvrir la matérialisation de l’imaginaire de l’artiste, nourrie de l’univers de la rue. FLIP y a bénéfi cié d’une totale liberté pour transposer sa conception d’un univers urbain au sein d’un espace clos. Cet art de l’instantané, multiplié, cloné et remixé, traverse aujourd’hui les frontières. Après Madrid et Barcelone, Flip expose à Paris, du 24 novembre au 6 décembre 2005. L’exposition présentée à la galerie Kamchatka est entièrement réalisée à Paris, l’artiste tenant particulièrement à s’inspirer de l’atmosphère des villes où il expose.

Vernissage de l'exposition MATE le jeudi 24 novembre

2005-11-15T04:05:00.000+01:00

Dyer of Cloth, Upstram Fish... peintures de Jun Pierre à la galerie kamchatka jusqu'au 22 novembre.

2005-11-10T00:27:00.000+01:00

Quelques images du vernissage, le 3 novembre...

2005-11-09T23:54:00.000+01:00

Exposition East / Ouest : Frontière ?

2005-11-02T23:51:00.000+01:00

Rencontrer Jun-Pierre est en soi une réponse à cette interrogation.
Franco-américain d’origine japonaise, son sang comme ses inspirations circulent en un mouvement permanent entre Tokyo, Paris et Minneapolis. Un métissage équilibré, au sein duquel les forces puisées par chaque racine irriguent un travail de conjugaison entre traditions, techniques et aspirations. Un mariage que l’esprit pressé voudrait voir improbable, voire impossible.
Après le succès époustouflant de la première série « East/West », au sein d’une exposition collective, Jun-Pierre, la galerie Kamchatka et moi-même avons décidé de réitérer.
Cette production dédiée au thème de la rencontre entre Asie et Europe s’articule essentiellement autour de deux axes.
Le premier consiste en une interprétation de ce qu’aurait pu traduire la découverte par les maîtres de la renaissance italienne des cultures traditionnelles japonaise et chinoise. A la manière de Van Gogh durant sa période shintoïste, Jun Pierre compose scènes de genre et portraits eurasiens dans des décors aux motifs typique du Levant. Quiconque a mis les pieds à Florence sourira devant une Madone de Raphaël en Kimono, la nuque dévoilée et la chevelure montée en chignon.
Le second, présenté dans une deuxième salle, porte essentiellement sur la plasticité du corps de femmes asiatiques dénudées. La tension musculaire et nerveuse y contraste avec le silence serein de grands aplats dans lesquels elles s’inscrivent.
Par cette série, Jun-Pierre nous donne une magnifique leçon quant aux facultés des cultures à s’épouser. Et résout ainsi les antagonismes instinctifs entre Orient et Occident dans une dialectique de création. Un aiguillon, la preuve par le pinceau que, nous, le peuple du monde, ne formons qu’Un.

Nicolas Kepel, directeur associé d’Adequatio.

2005-11-02T11:45:00.000+01:00

La galerie Kamchatka présente
du 1er au 22 novembre l'exposition
East/Ouest : Frontière ?
de l'artiste peintre Jun-Pierre Shiozawa.

2005-11-01T11:38:00.000+01:00

Communiqué exposition Lenteur et Géométrie

2005-10-11T19:35:00.000+02:00

La galerie Kamchatka est heureuse de vous présenter du 1er au 31 octobre l'exposition Lenteur et géométrie des photographes Léonie Young et Fabien Iliou.

Léonie Young :

"L’esprit se fixe sur un instant, hors de soi ou intérieur. Une image, une personne, un souvenir absorbent notre pensée et met le reste du monde en sourdine.
Je tente de saisir ces moments d’absence, à la fois proches et impalpables, suspendus dans un temps autre, un temps intérieur.
Instant immobile, à la fois étiré et volatile, un moment en fl ottement, ténu, fi lant entre les doigts." (Léonie Young - Septembre 2005)

Exposition d’une série de photographies de paysages urbains et ruraux, souvent vides ou
présentant quelques individus perdus, seuls, pensifs... Léonie Young photographie l’absence et le temps suspendu pour atteindre la rêverie, l’imaginaire du spectateur.
On reste pensif, interrogé et détendu devant ses photographies.
Nous présentons également une vidéo de l'artiste sur le même thème.

Fabien Iliou :

Exposition d’une série de photos abstraites et de photos en volumes de coins formant un cube. Très rigoureux dans sa prise de vue, Fabien Iliou représente l’espace et le temps à travers des photographies épurées représentant les 3 segments d’un plan. Le passage du temps et l’occupation géométrique de l’espace sont des thèmes qui lui sont chers.
Avec cette nouvelle série de photographies abstraites, il s’approche de la peinture par la couleur et la matière.

Les deux artistes présentent des univers différents qui s’interrogent et interagissent. Ensemble, ils appellent à la contemplation et au calme face à une société hyperactive et en perpétuel mouvement.

L'exposition est ouverte du mardi au samedi de 11h à 19h.
Galerie Kamchatka
23, rue charles V
75004 Paris

M° : St Paul, Bastille et Sully Morland.

2005-09-28T14:50:00.000+02:00

Exposition Léonie Young & Fabien Iliou

2005-09-20T19:03:00.000+02:00

La galerie Kamchatka présente du 29 septembre au 30 octobre, l'exposition
Lenteur et Géométrie des photographes Léonie Young et Fabien Iliou .

Vernissage le mercredi 5 octobre à partir de 19h.

Ouverture de la galerie le samedi 1 octobre jusqu'à 02h à l'occasion de la Nuit Blanche.
Les artistes seront présents lors de ces deux évènements.

programme 2ème semestre 2005

2005-08-29T19:44:00.000+02:00

Le programme d'exposition pour ce deuxième semestre 2005 est désormais clairement défini :

- de fin septembre à fin octobre, nous présenterons une exposition de deux photographes en parallèle : Léonie Young et Fabien Iliou.
- Novembre : exposition des peintures de Jun-Pierre.
- Décembre : exposition des peintures de Marc Héliès.

Nous préparons déjà les expositions suivantes et nous vous les annoncerons le plus tôt possible.

2005-08-01T20:59:00.000+02:00

Voici quelques images de la soirée de décrochage de l'exposition Gare au Culte !
avec l'énergisante participation des boissons Chum Up...

2005-08-01T15:12:00.000+02:00

L'exposition Gare au Culte ! à la galerie Kamchatka se prolonge au mois d'aout, vous pouvez toujours venir découvrir les oeuvres de raphaël denis. La galerie présentera aussi différentes oeuvres exposées au cours des six derniers mois.

Programme galerie Kamchatka Septembre 2005 :
exposition des photographies de Léonie Young et de Fabien Iliou.

2005-07-27T15:04:00.000+02:00

Bienvenue

2005-07-27T14:31:00.000+02:00

Bonjour à tous,

Bienvenue sur kamchatka artblog qui présentera l'actualité de la galerie kamchatka.

2005-07-21T12:29:00.000+02:00